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COMPOSITORES AUSTRÍACOS EXILIADOS TRAS LA ANEXIÓN POR LA ALEMANIA NAZI.

Continuamos con nuestra Trilogía sobre la Segunda Guerra Mundial y sus consecuencias en los Compositores de Centroeuropa. Hoy nos toca hablar de los compositores austríacos. Pero tenemos que ponernos en contexto.

La música en Austria estaba marcada por una serie de compositores establecidos en tres propuestas diferentes. Por un lado estaban los que continuaban y perpetuaban la composición de operetas austríacas, como Franz Lehár (1870-1948), Emmerich Kálmán (1882-1953), Oscar Straus  (1870-1954), Robert Stolz (1880-1975) o Rudolf Sieczynski (1879-1952).

Por otro estaban una serie de compositores apadrinados por una de las personalidades más importantes de la primera mitad del siglo XX, Arnold Schönberg  (1874-1951). Hablo de la llamada “Segunda Escuela de Viena“  y que englobaba a su cuñado Alexander von Zemlinsky (1871-1942) y especialmente a sus alumnos Alban Berg (1885 –1935), Anton Webern (1883-1945) y  Egon Wellesz (1885 –1974). Un grupo de músicos que dinamitaron la tonalidad a principios de siglo y, en el caso de Schönberg, crearon una manera nueva de componer, el Dodecafonismo.

La tercera rama era la de los que optaban por desarrollar la ópera en lengua alemana, empezando por Franz Schreker (1878 –1934) y sus alumnos Wilhelm Grosz (1894-1939) y Ernst Krenek (1900-1991), y continuando por Erich Wolfgang Korngold (1897-1957) o Ernst Toch (1887- 1964).

El panorama quedaría completo incluyendo a un instrumentista que, ocasionalmente, se dedicaba a componer como era el violinista Fritz Kreisler (1875-1962). Estos eran los compositores austríacos más importantes en los años 20 y principios de los 30, algunos muy consolidados (como Lehár, Schreker o Kálmán), otros muy discutidos por su “radicalidad“ y su manera de entender la música (Schönberg y cia), y otros intentando hacerse un nombre a base de propuestas muy interesantes y rompedoras en aquella época, encabezados por Krenek y Korngold. Otro dato importante es que, de los dieciseis nombres que he dado, diez eran judíos o descendientes de judíos y todos emigraron menos Schreker… porque murió muy pronto, en 1934. Un caso similar al de Alban Berg que moriría un año más tarde, en 1935. De todas formas ambos sintieron el acoso de los nazis en sus obras desde finales de los años 20.

En 1938 se produjo la anexión de Austria por parte de Alemania (el “Anschluss“) pero la influencia de los Nazis en la vida austríaca se hacía sentir desde una década antes. Acabo de indicar que Schreker (judío) y Berg (que no lo era) fueron maltratados, ninguneados e incluso censurados por parte del aparato Nazi, por ser representantes de la odiosa “Música Degenerada“… pero murieron antes de 1938. Los pocos que quedaban en Austria, que estaban en la misma situación y no se habían exiliado antes, lo hicieron en ese año 1938. Evidentemente hablo de los compositores que he nombrado porque muchos otros no tuvieron tanta suerte.

Fijaos que, de los otros 14 compositores citados, sólo permanecieron en Austria Franz Lehár, Rudolf Sieczynski y Anton Webern, el resto huyó. Se quedaron pero pasándolo horrorosamente mal. Lehár era católico pero su mujer era judía, antes de convertirse al catolicismo por su matrimonio. Además, siempre utilizó libretistas judíos para sus obras escénicas. ¿Por qué se quedó?, porque era una de las debilidades de Hitler del que consiguió para su esposa el estatus de “Aria Honoraria por su matrimonio“. Pero no era gratis, la música de Lehár se utilizó propagandísticamente por parte del aparato del Estado e, incluso, fue condecorado por Hitler.

 

El otro caso sangrante fue el de Anton Webern que era despreciado y ninguneado por la propaganda Nazi, pero decidió no escapar de Austria. Su caso es el típico de Exilio Interior o Autoaislamiento. Encima tuvo la malísima fortuna de morir de una manera estúpida cuando la Guerra recién había finalizado. Los que tengáis curiosidad, de verdad,  os animo a descubrir las penosas e increíbles muertes de los dos principales alumnos de Schönberg (Berg y Webern).

Dicho todo ésto, hacemos igual que en la anterior entrada, os dejo los once compositores austríacos que se exilaron, si eran judíos o no, el año de su huida, el país al que emigraron y si volvieron posteriormente a Europa, una vez acabada la guerra. Sigo el orden cronológico de su nacimiento y os dejo una de sus primeras obras en el exilio.

* Oscar Straus (1870-1954), compositor judío de operetas. Emigró a Francia tras la anexión de Austria por Alemania (1938). Se exilió luego a EE.UU. tras la ocupación de Francia (1940). Volvió tras la guerra a su país. El extracto que os dejo es de uno de sus primeros encargos nada más llegar a París, la versión en francés de su Opereta “Drei Walzer“, de 1935.

* Alexander von Zemlinsky (1871-1942). Emigró a EE.UU  en 1938, pues era judío. Murió en ese país en 1942 debido a una neumonía. Pocas obras compuso en ese país, entre ellas su “Humoreske“ para quinteto de viento, de 1939.

 

* Arnold Schoenberg (1874-1951). Igual que su cuñado, era judío, emigró a EE.UU. (pero lo hizo mucho antes, en octubre de 1933) y allí falleció en 1951. Posiblemente la primera obra que compuso en tierras americanas fuera la Suite “En estilo antiguo” para orquesta de cuerda, de 1934.                            

 

* Fritz Kreisler (1875-1962). Católico pero con ancestros judíos, el violinista también se vió forzado a emigrar, primero a Francia en 1938 y luego a EE.UU. en 1939. Tampoco volvió, allí falleció en 1962. Os dejo su Tempo di Minuetto, en el estilo de Pugnani, de 1938.

 

* Robert Stolz (1880-1975). Este compositor de operetas y de música de cine no era judío tampoco, pero emigró de su país en 1938, primero a Suiza, luego a Francia en 1939 y posteriormente emigró a EE.UU en 1940. Volvió a Viena en 1946. Os dejo una canción compuesta para la película “Spring Parade“ (1941) y que llegó a estar nominada a los premios Oscar de ese año.

 

* Emmerich (o Imre) Kálmán (1882-1953) compositor húngaro (por tanto perteneciente al Imperio Austrohúngaro), afincado en Viena y creador de operetas austríacas en lengua alemana. Uno de los favoritos de Hitler, que incluso estuvo a favor de hacer una excepción con él, pues era judío (pretendió hacerlo Ario Honorario). Se fue en 1938 a París y en 1940 a EE.UU. Volvió a Viena en 1949. No he podido encontrar nada de la escasa producción americana de este compositor, por ello os dejo un número de la última opereta que compuso antes de su exilio, “Kaiserin Josephine“, estrenada en 1936.

 

* Egon Wellesz (1885 –1974). Un caso similar a Kreisler, pues también era católico de ascendencia judía. Por tanto se vió forzado a emigrar en 1938, pero en su caso su destino final fue Inglaterra, vía Amsterdam. Allí vivió el resto de su vida. Su primera obra inglesa fue el Cuarteto de cuerda nº5 op.60 de 1943, del que no he podido encontrar un vídeo. Os dejo su siguiente cuarteto, el nº6 op.64, compuesto en 1947.

 

* Ernst Toch (1887- 1964). Compositor judió que abandonó Austria en 1933 con destino París y, posteriormente Inglaterra. Finalmente en 1935 se marchó a EE.UU., país en el que residió el resto de su vida. Os propongo escuchar su primera obra en Inglaterra, “Big Ben: Variation-Fantasy on the Westminster Chimes“, op. 62, obra para orquesta de 1934.

 

* Wilhelm Grosz (1894-1939). Otro compositor austríaco judío que también se exilió en Inglaterra en 1934. Posteriormente, en 1939, se dirigió a EE.UU. donde falleció al poco de llegar debido a un infarto. Esta vez la obra que os dejo es una canción que tuvo mucho éxito en la Inglaterra de 1934, “Isle of Capri“.

* Erich Wolfgang Korngold (1897-1957). Este grandísimo compositor austríaco está considerado hoy en día como uno de los mejores compositores de Bandas Sonoras de la primera mitad del siglo XX, pero es una simplificación muy grande pues compuso para todos los formatos y estilos, desde la ópera hasta el concierto para instrumentos solistas y orquesta. También era judío, pero su emigración fue muy distinta. Ya desde 1934 colaboraba intermitentemente con Hollywood, poniendo la música a varias películas de Errol Flynn, entre ellas la que le salvó la vida, como él comentó tras la guerra, “The Adventures of Robin Hood“ (1938). Parece ser que el encargo le llegó dirigiendo ópera en Viena. Se desplazó a EE.UU. muy poco tiempo antes de producirse la anexión de Austria. Por tanto ésta ya le pilló en América y allí permaneció hasta su muerte. Evidentemente, la obra que os tengo que mostrar es parte de la Banda Sonora para dicha película.

 

* Ernst Krenek (1900-1991)  Uno de los mejores compositores austríacos del siglo XX y una de las figuras, junto con Korngold y Schreker, del boom musical de la Viena de entre guerras. Desde muy joven tuvo éxito entre el ´publico, pero la obra que marcó su vida fue su ópera “Jonny spielt auf“, de 1927, protagonizada por un saxofonista de jazz negro. Esta obra (y muchas más de Krenek) fue atacada, ridiculizada, y tomada como ejemplo de “música degenerada“ por el Partido Nazi. Krenek no era judío, pero tampoco soportaba a los seguidores de Hitler que boicotean el estreno de su obras. Por tanto, decidió emigrar a EE.UU. en 1938, país en el que permaneció el resto de su vida y donde acabaría por aceptar su nacionalidad. De su amplio catálogo en su nuevo país os dejo una de sus primeras composiciones, la Suite para Chelo solo op.84, de 1939.

 

 

Podría citaros también el caso de Ernest Gold (Ernst Sigmund Goldner; 1921 –1999) que tambió emigró a EE.UU tras la anexión de Austria en 1938, pero su caso es diferente. Sí que se exilió por ser judío pero también porque quería estudiar en EE.UU. y componer música para películas. Fijaos que se fue de Austria con 17 años, cuando no dejaba de ser un mero estudiante de composición. En su nuevo país se hizo un nombre dentro de los compositores de Bandas Sonoras de ese país.

 

Esto ha sido todo. Espero haberos mostrado una faceta de la Segunda Guerra Mundial que desconociérais.

 

 

 

COMPOSITORES ALEMANES EXILIADOS TRAS LA SUBIDA AL PODER DEL PARTIDO NAZI

De vuelta con vosotros después de un largo período os propongo completar uno de los temas tratados este año en este Gabinete. Me refiero a una de las entradas que realicé en Febrero en la que os relataba una serie de Compositores Checos que tuvieron la desgracia de morir en Campos de Concentración Nazis y os mostraba alguna de las obras que compusieron, en dichos Campos, antes de morir.

Pues bien, he querido convertir esa entrada en la primera de un tríptico que tiene como telón de fondo la Segunda Guerra Mundial y los Compositores Centroeuropeos que la sufrieron en carne viva. En los dos siguientes artículos voy a tratar de mostraros a una serie de compositores que tuvieron que exiliarse por sus ideas políticas, por ser judíos o descendientes de judíos o, simplemente, por estar en contra de los régimenes totalitarios que se instauraron en Europa a finales de los años 20 y principios de los 30.

 

Como podeis apreciar en el título, esta primera parte va a estar dedicada a los propios compositores alemanes que se vieron forzados a dejar su patria tras la llegada al poder del partido Nacional Socialista, en 1933, o tras sentir la presión del aparato del Partido en su contra entre ese año 1933 y 1940. La segunda se centrará, exclusivamente, en compositores austríacos que corrieron la misma suerte.

O sea Alemanes y Austríacos. No fueron los únicos que se exiliaron pero sí que fueron los que centran un mayor número de compositores de importancia y renombre. Fijaos que yo manejo una lista de unos 30 grandes compositores que se vieron forzados a exiliarse a Inglaterra y especialmente a EE.UU. Pues entre alemanes y austríacos engloban 2/3 de los mismos, es decir una veintena.

 

Evidentemente hablo de compositores forzados al exilio, por eso no voy a nombrar a algunos compositores que ya trabajaban y vivían en EE.UU. antes de la llegada al poder de Hitler, como la alemana Johanna Magdalena Beyer (1888 – 1944), el compositor austríaco de Bandas Sonoras Max Steiner (1888-1971), su homólogo húngaro Miklós Rózsa (1907 –1995, que vivió en Inglaterra antes de ir a EE.UU.) o el francés Edgar Varèse (1883 – 1965). Tampoco trato aquí a los que llegaron a EE.UU. tras la Revolución Rusa de 1917 como Sergei Rachmaninoff (1873–1943) o el también compositor de Bandas Sonoras Dimitri Tiomkin (1894 –1979).

Como quiero que tengáis una visión global de todos estos compositores, voy a enumerar (antes de empezar a tratar los alemanes) los europeos que también huyeron del conflicto bélico provinientes de otros países. Como sabéis el primer paso para el comienzo de la Segunda Guerra Mundial fue la anexión de Austria (país natal de Hitler) por parte de Alemania, en marzo de 1938. Pero la fecha de inicio de la Guerra es realmente el 1 de septiembre de 1939 cuando Alemania invade Polonia. Polaco era Ignacy Jan Paderewski (1860-1941), grandísimo pianista, compositor y político que se vió forzado a emigrar a Inglaterra con casi ochenta años. Murió realizando una gira por EE.UU.

Uno de los caso más conocidos fue el de uno de los mejores compositores del siglo XX, el húngaro Bela Bartok (1881-1945) que emigró a EE.UU. en octubre de 1940 debido a su frontal oposición a los Nazis y al partido húngaro en el poder, que era una mera marioneta de los alemanes. Bartok murío en el exilio. Ni Paderewski, ni Bartok eran judíos pero sí que lo era Mario Castelnuovo-Tedesco (1895-1968), compositor sefardí italiano que emigró a EE.UU. en 1939 cuando las tensiones con el partido de Mussolini se hicieron insostenibles. Castelnuovo ya se quedó en EE.UU. el resto de su vida.

Quitando Austria y Alemania, el país que vió marcharse a más compositores fue Francia, especialmente tras la invasión del país en 1940. Francia había sido el país de escala de muchos compositores centroeuropeos antes de partir para EE.UU., pero también huyeron, desde este país, muchos compositores afincados en Francia y especialmente en París. Hablo de las francesas Germaine Tailleferre (1892-1983) y Nadia Boulanger (1887 –1979), del también francés (y judío) Darius Milhaud (1892-1974), del checo Bohuslav Martinu (1890-1959), del polaco judío Alexandre Tansman (1897 -1986) y especialmente del genio del siglo XX, Igor Stravinsky (1882-1971), ruso de nacimiento pero nacionalizado primero francés y luego norteamericano. Todos volverían a Europa tras la guerra menos el ruso. En la foto superior aparecen tres de ellos, Stravinski a la izquierda, Milhaud en el centro y Boulanger a la derecha.

Otros compositores decieron participar en la guerra y muchos de ellos lo pagaron con sus vidas, como Jehan Alain (1911-40), o acabaron siendo capturados y encerrados en Campos de Concentración, como le pasó a otro genio del s. XX, el francés Olivier Messiaen (1908-1992), que alumbró en su internamiento una de las obras cumbres de la música de ese siglo, el “Cuarteto para el Final de los Tiempos“ (1941).

Después de esta larga y necesaria introducción me centro ya en los compositores nacidos en la propia Alemania y que se vieron forzados a dejar su patria. En la época entre guerras, la época de la llamada “República de Weimar“ (1919-33), la figura dominante de la música alemana era Richard Strauss (1864-1949). Pero, a su sombra y auspiciados por el aperturismo que se vivió en esa fantástica época, aparecieron una serie de compositores que decidieron romper las fronteras entre la música culta, el jazz, el cabaret o la música ligera. Además tenían la posibilidad de trabajar en otros campos como la música para películas o la realización de obras para un nuevo medio, la radio.

Te podías encontrar el caso de una compositor de operetas como Eduard Künneke (1885 – 1953) que era capaz de crear un concerto grosso para banda de jazz y orquesta (su Tänzerische Suite opus 26, de 1929), el caso de un compositor “clasico“ como Max Butting (1888–1976) que creó una Sinfonietta con Banjo (su op.37, también de 1929), o el caso de una serie de compositores jóvenes que se agruparon en derredor de una figura universal, el dramaturgo alemán Bertolt  Brecht (1898- 1956).

 

Me refiero a gente como Kurt Weill (1900-1950), Paul Dessau (1894 -1979) o Hanns Eisler (1898 – 1962), pero también a otros influenciados por Brecht como Stefan Wolpe (1902 –1972). Lo curioso del caso es que Brecht no era judío (su padre era católico y su madre protestante) pero los cuatro compositores que he mencionado sí que lo eran. Salvo Weill, los otros tres compartían otra característica en común con Brecht, eran abiertamente comunistas.

Junto a todos estos nombres sobresalió en los años 20 la figura de otro magnífico compositor alemán, Paul Hindemith  (1895-1963), uno de los más inquietos de esa época, capaz, incluso, de promocionar y componer para un instrumento electrónico como el Trautonium. También empezaba en la composición uno de los autores que alcanzaría la gloria en plena Alemania Nazi, Carl Orff (1895-1982), el autor del Carmina Burana (1937).

Ésta era la Alemania musical que destrozaron los Nazis al llegar al poder en 1933. Tras ella comenzó el goteo de compositores que se exiliaron fuera del país (primero a Suiza o Francia, luego a Inglaterra o directamente a EE.UU.). De los compositores que he mencionado sólo permanecieron en su país Richard Strauss (que tenía casi 70 años en 1933 y al que el partido nazi utilizó como estandarte musical), Künneke (a Hitler le gustaban mucho las operetas), Butting (que decidió quedarse y autoexiliarse, pues también tenía ideas socialistas y acabó en la RDA) y Carl Orff, del que mucho se ha escrito sobre si era afín al régimen o sólo se le utilizó propagandísticamente. Simplemente se quedó y no sintió el yugo de la persecución por sus ideas o por su origen racial.

Ya por último os cito a siete compositores alemanes que sí que se exiliaron de Alemania, citando el año de su exilio, adónde se fueron, si volvieron tras la guerra y os dejo una muestra de una sus primeras obras en el exilio. Voy a ir por orden cronológico de nacimiento y ya os adelanto que todos eran judíos menos Hindemith.

* Paul Dessau (1894 -1979), ya lo he mencionado, era comunista y también judío. Brecht se había marchado de Alemania en 1933 y pasó primero a Dinamarca, luego a Suecia, luego a Finlandia…, hasta que en 1941 llega a EE.UU. donde se quedaría hasta 1947, año en el que huyó de país agobiado por la presión de la “Caza de Brujas“  instaurada por el macarthismo. Se fue a la RDA y allí falleció en 1956. El periplo de Dessau es similar, también se exilió en 1933 y pasó por diferentes lugares antes de llegar a EE.UU. en 1939. También acabó yéndose a la RDA en 1948 por la misma razón que Brecht. Os dejo la obra “Les Voix“, para soprano, piano y orquesta, sobre un poema de Paul Verlaine (1939).

* Paul Hindemith (1895-1963), como he dicho, no era judío pero sí estaba en contra del Partido en el poder y de lo que el aparato propagandístico nazi llamaba como „Música Degenerada“ (Entartete Musik). Hindemith emigró en 1938 a Suiza y luego a EE.UU en 1940. Volvió a Europa en 1953. La obra que os presento es su sonata para arpa de 1939.

 

* Friedrich Holländer (1896-1976) abandonó Alemania en 1933 por ser judío y llegó a EE.UU en 1934 tras pasar por París. Autor de música de cabaret, de multitud de canciones y de Bandas Sonoras, volvió a Alemania en 1956. En América se hacía llamar Frederick. Os dejo la canción “Awake in a dream“, cantada por Marlene Dietrich en la película “Desire“ de 1936.

* Hanns Eisler (1898 – 1962), colaborador principal de Brecht, judío y comunista, se exilió de Alemania en 1933 (estableciéndose en multitud de sitios) y finalmente emigró a EE.UU. en 1938. Corrió la misma suerte que Brecht y Dessau, también tuvo que volver a Europa por las mismas circunstanceas y se extableció igualmente en la RDA en 1948. En su caso os presento una de sus primeras obras en Américas, su Noneto nº1 de 1939.

 

* Kurt Weill (1900-1950) el más conocido colaborador de Brecht, pero también el que menos trabajó con él. No era comunista, pero sí judío. También abandonó Alemania en 1933 estableciéndose en París antes de llegar a EE.UU. en 1935. Weill no volvió, murió en 1950 siendo uno de los compositores más importantes dentro del género “Musical“, consecuencia directa de sus trabajos anteriores en el terreno del Cabaret a finales de los años 20. Os dejo una canción de uno de sus primeros musicales americanos, “Johnny Johnson“, de 1936.

 

* Stefan Wolpe (1902 –1972), el caso de Wolpe es peculiar. No era un colaborador de Brecht pero sí estaba influenciado por él. También era judío y comunista, pero su exilio fue curioso. Emigra en 1933 a Austria, luego, de 1934 a 1938, se establece en Palestina y, finalmente, llega a EE.UU. en 1938, donde permanece hasta su muerte. Tuvo de alumnos a bastantes compositores americanos de la segunda mitad del siglo XX, el más importante, sin duda, Morton Feldman. De Wolpe os muestro su “Toccata para piano“, compuesta al poco de llegar a América, en 1941.

* Franz Wachsmann o Waxman (1906 – 1967) el último ejemplo de hoy es éste famoso compositor de Bandas Sonoras que también tuvo que emigrar a los EE.UU. por ser judío. Waxman también se fue de Alemania en 1933, estableciéndose en Francia primero y llegando a EE.UU. a finales de 1934. Se habla de unas 150 Bandas Sonoras compuestas por él hasta su muerte en California. Os dejo la suite que compuso para la película “La Novia de Frankenstein” (The Bride of…) de James Whale (1935). Seguimos con los austríacos en el segundo capítulo.

WIM MERTENS Y EL 7º ARTE

Después de casi un mes desde mi última entrada vuelvo a escribir en nuestro Gabinete. Muchas cosas han pasado en el último mes y, además, muy traumáticas. Lo digo por el hecho de la hospitalización de mi padre durante la Semana Santa (por una neumonía), su convalecencia y su posterior fallecimiento como consecuencia del cúmulo de problemas que ya acarreaba agravado por su última y mortal enfermedad.

Para intentar volver a escribir en nuestro Blog quería elegir a alguien que siempre me hubiera hecho feliz, a alguien que llevara admirando mucho tiempo y a alguien interesante como para realizar un artículo que os pudiera atraer a vosotr@s. En fin, el elegido ha sido el compositor, pianista, contratenor y genio belga Wim Mertens (1953-).

Me he querido centrar en una etapa de su producción quizás menos conocida por parte de muchos de vosotros y es su colaboración con el séptimo arte. Es conocido que Mertens tiene tres o cuatro bandas sonoras publicadas, pero son bastantes más las películas donde ha colaborado de una manera u otra. Además, se cumplen 30 años desde que recibiera el encargo de realizar su primera banda sonora.

Me refiero a “El Vientre del Arquitecto” (The Belly o fan Architect), película de 1987 del cineasta inglés Peter Greenaway (1942-). Greenaway decidió con esta película darle la espalada a su colaborador habitual (Mychael Nyman (1944-)) y apostar por dos compositores que también le atraían, el americano Glenn Branca (1948-) y nuestro protagonista belga. De la parte de música para la película Greenaway le pidió a Mertens incluir algunas de sus piezas más conocidas hasta ese momento (“4 Mains”, “Struggle for Pleasure”…) pero Mertens también pudo aportar alguna composición nueva como fue el caso de “Birds for the Mind”.

La participación de Mertens en el cine siempre ha sido esporádica, pero tuvo su punto álgido fue en la década de los 90. El siguiente ejemplo que os dejo es de una de las primeras películas de los hermanos Dardenne (Luc y Jean-Pierre). Es de su película “Je pense à vous” del año 1992 y en ella Mertens componía la banda sonora siendo el tema más importante uno que acabaría formando parte de su disco “Shot and Echo”, del año 1993. Me refiero a la canción “Shot One”.

 

En 1993 Mertens se ve enfrascado en crear música de acompañamiento a dos películas mudas. En concreto a “The Land beyond the Sunset”, película americana de 1912 del director Harold Shaw, y a “La femme de nulle part”, película francesa de 1923 del director Louis Delluc. Os dejo parte de la música de este segundo film.

 

En 1995 la directora belga Marion Hänsel crea su película “LI, Between the Devil and the Deep Blue Sea”. Como Banda Sonora de su película se hizo acopio de la música que creó Mertens diez años antes para su disco “A Man of no Fortune and with a Name to Come”. La película arranca con su composición titulada “Casting no shadow”.

 

También en ese año de 1995 Mertens colabora en una película que trataba el tema de la Guerra civil española. Se trataba de “Fiesta”, película francesa del director Pierre Boutron y con el eterno Jean-Louis Trintignant (1930-) en su elenco. Os dejo la pieza “The way down”.

 

En 1996 Mertens publica la Banda Sonora de una película belga llamada “Lisa”, del director Jan Keymeulen. Totalmente desconocida en nuestro país, pero su música sigue siendo apasionante.

 

Al año siguiente, 1997, el director alemán Tom Tykwer (1965-) decide utilizar dos piezas de Mertens en su siguiente película “Winterschläfer”, conocida también como Winter Sleepers y aquí como Soñadores. Las dos piezas son “Tourtour” y “No Plans No Projects”.

 

 

En 1999 Mertens publica otra Banda Sonora, en este caso la de la película de Paul Cox titulada “Padre Damien” (Father Damien). Es una película centrada en la etapa del misionero belga Padre Damián (Jozef de Veuster, 1840 –1889) en la leprosería instaurada en la isla de Molokaʻi, en Hawai. Os dejo una parte de su Banda sonora.

 

 

En 1999 también, un cineasta brasileño le pide a Mertens poder utilizar su música para acompañar las imágenes de un documental. El director brasileño era Marcelo Masagão (1958-) y el documental en cuestión se llamaba “Nós Que Aqui Estamos por Vós Esperamos”.

 

La colaboración con Marcelo Masagão no se quedó en ese documental solamente sino que han ccolaborado en tres películas hasta la fecha. La segunda fue “1,99 – Um Supermercado Que Vende Palavras”, de 2003, y la última “Otavio e as letras”, de 2007. Os dejo imágenes de ambas películas, aunque de la segunda solo sea un pequeño extracto. Evidentemente, con música de Mertens.

 

 

Otro encargo que aceptó fue ponerle música a un corto documental del director vasco Josu Venero (1962-). Fue en 2009 y se llamó “Tener el corazón en el lugar equivocado”. Trataba de ser una semblanza de la vida del artista donostiarra José Antonio Sistiaga (1932-), enfocado sobre todo en sus trabajos artísticos y en su faceta de cineasta experimental. Tres años después el mismo director consiguió crear un largometraje documental en el que poder tratar más a fondo las experiencias vitales de Sistiaga. El documental de 2012 se llamó “En un paisaje imaginado” (Imagined Landscape). Os dejo imágenes de ambas obras donde colabora Mertens.

 

Por último el que quizás sea su última colaboración hasta la fecha. Es otro documental estrenado en 2015 y dirigido por Digna Sinke. Su título “Onder de Oppervlakte” (Bajo la superficie).

 

 

Películas con su Música

2015 Onder de Oppervlakte (Doc.)   Digna Sinke

2012 En un paisaje imaginado (Doc.) Imagined Landscape (2012)   Josu Venero

2009 Tener el corazón en el lugar equivocado (corto Doc.)    Josu Venero

2007 Erfgenaam van Elsschot (2007)  (Doc.)  Suzanne Raes

2007 Otavio e as letras (2007)    Marcelo Masagao

2006 No Regret (2006)    Lee Song-hee-il –   Corea del Sur

2006 Der Lebensversicherer     Bülent Akinci  (Alemania)

2003 1,99 – Um Supermercado Que Vende Palavras (Doc.)   Marcelo Masagão

2001 Qui vive   Frans Weisz

2000 Raveel – An Interaction Between Art & Architecture (Doc.)   Johan op De Beeck –

 

1999 Nós Que Aqui Estamos por Vós Esperamos (Doc.)   Marcelo Masagao

1999 Entre Flore et Thalie (1999) (Doc.)  Françoise Levie

1999 Father Damien (Paul Cox)

1997 Winterschläfer (Winter Sleepers)     Tom Tykwer

1996 Lisa     Jan Keymeulen

1995 Fiesta   Pierre Boutron

1995 LI, Between the Devil and the Deep Blue Sea      Marion Hänsel

1993 The Land beyond the Sunset (1912)   Harold Shaw – EEUU

1993 La femme de nulle part (1923  Louis Delluc – Francia

1992 Je pense à vous      Luc y Jean-Pierre Dardenne

1992 Servaisgraphia (corto)     Benoit Peeters

1990 Ryð   (Rust, 1990)   Larus Ymir Oskarssons

1987 El vientre de un arquitecto (The Belly of an Architect)   Peter Greenaway

 

 

 

 

UMBERTO ECO EN EL RECUERDO.

Esta mañana hemos conocido la amarga noticia del fallecimiento del escritor y filósofo italiano Umberto Eco (1932-2016). Quiero dedicarle un sentido homenaje a su vastísima obra citando su obra más conocida, “El Nombre de la Rosa”, publicada en 1980.

 


Tengo que reconocer que yo accedí a Eco por esta novela y, más concretamente, por la película que realizó el director francés Jean-Jacques Annaud (1943-) sobre dicha novela en 1986. La película me cautivó y me llevó a la novela, donde descubrí un mundo todavía más rico y vasto en el que sí, había una investigación de unos crímenes en una abadía, pero todo ello estaba enclavado en un momento de la Edad Media donde ocurrían mil cosas más.
Ésta fue su primera novela. En total ha conseguido publicar en vida siete novelas, aunque seguramente salga alguna más tras su fallecimiento. Y la mejor manera de honrarle es trayendo el pasaje final de la novela donde la vida de Adso de Melk se va apagando. Así mismo es bonito compararlo con el final de la película que también es imborrable.

“…Dentro de poco me reuniré con mi principio, y ya no creo que este sea el Dios de gloria del que me hablaron los abades de mi orden, ni el de jubilo, como creían los franciscanos de aquella época, y quizá ni siquiera sea el Dios de piedad. Gott ist ein lautes Nichts, ihn ruhrt kein Nun noch Hier… Me internaré deprisa en ese desierto vastísimo, perfectamente llano e inconmensurable, donde el corazón piadoso sucumbe colmado de beatitud. Me hundiré en la tiniebla divina, en un silencio mudo y en una unión inefable, y en ese hundimiento se perderá toda igualdad y toda desigualdad, y en ese abismo mi espíritu se perderá a si mismo, y ya no conocerá lo igual ni lo desigual, ni ninguna otra cosa: y se olvidaran todas las diferencias, estaré en el fundamento simple, en el desierto silencioso donde nunca ha existido la diversidad, en la intimidad donde nadie se encuentra en su propio sitio. Caeré en la divinidad silenciosa y deshabitada donde no hay obra ni imagen.

Hace frío en el scriptorium, me duele el pulgar. Dejo este texto, no se para quien, este texto, que ya no se de que habla: stat rosa pristina nomine, nomina nuda tenemus.”

 

Novelas
• El nombre de la rosa (Il nome della rosa, 1980)
• El péndulo de Foucault (Il pendolo di Foucault, 1988)
• La isla del día de antes (L’isola del giorno prima, 1994)
• Baudolino (2000)
• La misteriosa llama de la Reina Loana (La misteriosa fiamma della regina Loana, 2004)
• El cementerio de Praga (Il cimitero di Praga, 2010)
• Número cero (Numero zero, 2015)

Ensayos
• El problema estético en Tomás de Aquino, 1956
• Arte y belleza en la estética medieval, 1959
• Opera aperta, 1962
• Diario mínimo, 1963
• Apocalittici e integrati, 1964 — Apocalípticos e integrados,
• Las poéticas de Joyce, 1965
• Apuntes para una semiología de las comunicaciones visuales (1967),
• La definición del arte, 1968
• La estructura ausente, análisis de semiótica en edificaciones orientado
al diseño arquitectónico; 1968
• Socialismo y consolación, Tusquets, Barcelona, 1970
• Las formas del contenido, 1971
• Il segno, 1973
• Las costumbres de casa (1973),
• El beato de Liébana, 1973
• El espanto hecho muro, 1974
• Sociología contra psicoanálisis, 1974
• Trattato di semiotica generale, 1975 — Tratado de semiótica general,
• Introducción al estructuralismo,
• El superhombre de masas, 1976
• Desde la periferia del imperio (1977)
• Cómo se hace una tesis, técnicas y procedimientos de investigación, estudio y escritura, 1977
• Lector in fabula. La cooperazione interpretativa nei testi narrativi, 1979
• Función y signo: la semiótica de la arquitectura, 1980
• De Bibliotheca, 1981
• Siete años de deseo (1983),
• Semiótica y filosofía del lenguaje, 1984
• De los espejos y otros ensayos, 1985
• Ensayos sobre ‘El nombre de la rosa, 1987
• El signo de los tres, 1989
• El extraño caso de la Hanau 1609, 1990
• Los límites de la interpretación, 1990
• Il secondo diario minimo, 1992 —recopilación de escritos breves
• La búsqueda de la lengua perfecta, 1993
• Seis paseos por los bosques narrativos, 1994
• ¿En qué creen los que no creen?, diálogo epistolar sobre la ética
con el cardenal Carlo Maria Martini, 1996
• Interpretación y sobreinterpretación, 1997
• Kant y el ornitorrinco, 1997
• Cinco escritos morales, 1997
• La estrategia de la ilusión, 1999
• La bustina de Minerva, 2000
• El redescubrimiento de América 2002
• Sobre literatura 2005
• La historia de la belleza, 2005
• La historia de la fealdad, 2007
• A passo di gambero. Guerre calde e populismo mediático, 2006 — A paso de cangrejo:
artículos, reflexiones y decepciones, 2000-2006,
• Dire quasi la stessa cosa — Decir casi lo mismo. Experiencias de traducción, 2008
• El vértigo de las listas, 2009
• Cultura y semiótica, 2009
• La nueva Edad Media, 2010
• Nadie acabará con los libros, con Jean Claude Carrière; 2010
• Confesiones de un joven novelista 2011
• Construir al enemigo, selección de ensayos; 2013
• Historia de las tierras y los lugares legendarios; 2013

 

 

LA OBRA FÍLMICA DE JAN ŠVANKMAJER (y 2)

Entre 1984 y 1987 Švankmajer se enfrasca en el rodaje de la película con la que debutaría en el largometraje. ¿En qué se basó para realizarla?, pues en “Alicia en el País de las Maravillas”, de Lewis Carroll. Y el resultado fue una obra maestra desde el punto de vista de la animación, o desde cualquier punto de vista. “Něco z Alenky” (Alicia, 1988) es una obra torvamente diferente a cualquier versión hecha anteriormente de la obra de Carroll. Según él mismo intentó buscar un punto en el que confluyeran el cuento y los sueños, para lo cual se basa en un personaje principal “de carne y hueso” mientras que el resto de los personajes son objetos inanimados que se mueven mediante la técnica mencionada anteriormente.

Los años finales de la década de los 80 fueron bastante frenéticos en cuanto a volumen de trabajo llegando a filmar 6 cortometrajes en dos años. Por centrarnos en 1988, rueda “Mužné hry” (“Juegos viriles”) y una miiniatura llamada “Zamilované maso” (“Carne enamorada”), pero lo más destacable fue el encargo realizado para poner las imágenes de un videoclip. En concreto de la canción “Another Kind of Love” de Hugh Cornwell (1949-), el cantante, guitarrista, compositor y líder del grupo “The Stranglers”. Esto prueba lo conocido que era ya en Occidente aún no haber caído todavía el Muro de Berlín y por ende el “Telón de Acero”. La canción forma parte del disco “Wolf” (1988), el segundo disco en solitario de Cornwell.

En 1989 realiza dos miniaturas (“Flora” y un pequeño aporte para el cortometraje colectivo “Animated Self-Portraits”) y realiza otro de sus cortometrajes más famosos, “Tma, světlo, tma” (“Oscuridad/Luz/Oscuridad”).

Con la llegada de los 90, decide abandonar los cortometrajes para realizar largometrajes. Ello debe verse como un paso natural en un creador que vuelve a ser libre (tras la “Revolución de Terciopelo” de 1989) y que tiene un status de figura de magnitud mundial. Aún así todavía realiza sus dos últimos cortos, “Konec stalinismu v Čechách” (“La muerte del estalinismo en Bohemia” 1990… no hay más que decir) y sobre todo “Jídlo” (“Comida”, 1992) uno de sus cortometrajes más hilarantes y que se centra en las tres comidas que realizamos cada día, el desayuno, el almuerzo y la cena.

Para la realización de su segundo largometraje, “Lekce Faust” (“Fausto”, 1994), Švankmajer se basa en varias fuentes que hacen hincapié en el mito. Evidentemente en la obra de Goethe, pero también en el anterior “Doctor Fausto” de Christopher Marlowe (1564-1593) e incluso en las versiones que se hicieron para el teatro de marionetas tradicional checo.

En 1996 realiza “Spiklenci slasti” (Los conspiradores del placer), su tercer largometraje basado en una historia original sobre el siempre inquietante y sorprendente mundo de lo que ocurre en el interior de las casas cuando nadie mira. Una historia teñída de un humor negrísimo y que muestra las obsesiones fetichistas de un grupo de personas de la Praga de los 90.

A partir de ese momento rueda espacia sus obras cada 4 o 5 años, siendo la siguiente “Otesánek” (Little Otik, 2000). Ésta es una película oscura que se basa en el deseo ferviente de una pareja, que no puede tener hijos, por criar un bebé. Entonces adoptan… un tocón de un árbol que tiene rasgos humanoides…Se basa en un cuento tradicional checo.

Habría que esperar a 2005 para poder contemplar su siguiente obra, “Šílení” (Lunacy, en inglés). En este caso toma como punto de partida dos cuentos de Poe (“The System of Doctor Tarr and Professor Fether” y “The Premature Burial) que engarza con la vida del Marqués de Sade, Donatien Alphonse François de Sade (1740-1814).

Su último trabajo estrenado (porque su séptimo largometraje está en camino) se llamó “Přežít svůj život (teorie a praxe)” (2010), literalmente “Sobrevivir a la vida, teoría y práctica”. Con ello finalizo este viaje por la obra del creador checo que ha intentado abarcar las seis décadas creativas de un autor que todavía está por ofrecernos alguna sorpresa más.

Largometrajes (todos mezclan imagen real con animación)

1988 Něco z Alenky (Alice; “Alicia”)
1994 Lekce Faust (Faust; “Fausto”)
1996 Spiklenci slasti (Conspirators of Pleasure “Los conspiradores del placer”)
2000 Otesánek (Little Otik)
2005 Šílení (Lunacy)
2010 Přežít svůj život (teorie a praxe) (Surviving Life “Sobrevivir a la vida, teoría y práctica”)

Cortometrajes
1964 Poslední trik pana Schwarcewalldea a pana Edgara (The Last Trick “El último truco del Sr. Schwarcewallde y del Sr. Edgar”) 12´
1965 Johann Sebastian Bach: Fantasia G-moll 10´
1965 Hra s kameny (A Game with Stones “Juego con piedras”) 8´
1966 Rakvičkárna (Punch and Judy) 10´
1966 Et Cetera 8´
1967 Historia Naturae (Suita) 9´
1968 Zahrada (The Garden “El jardín”) 17´
1968 Byt (The Flat “El apartamento”) 13´
1968 Picknick mit Weissmann 11´
1969 Tichý týden v domě (A Quiet Week in the House “Una semana tranquila en casa” 20´
1970 Don Šajn (Don Juan) 30´
1970 Kostnice (The Ossuary “El osario”) 10´
1971 Žvahlav aneb šatičky slaměného Huberta (Jabberwocky) 14´
1972 Leonardův deník (Leonardo’s Diary “El diario de Leonardo”) 12´
1973-79 Otrantský zámek (Castle of Otranto “El castillo de Otranto”) 17´
1980 Zánik domu Usherů (The Fall of the House of Usher “La caída de la casa Usher”) 15´
1982 Možnosti dialogu (Dimensions of Dialogue “Opciones de diálogo”) 12´
1983 Do pivnice (Down to the Cellar “Al sótano”) 15´
1983 Kyvadlo, jáma a naděje (The Pendulum, the Pit and Hope “El péndulo, el pozo y la esperanza”) 15´
1988 Mužné hry (Virile Games “Juegos viriles”) 14´
1988 Another Kind of Love videoclip de Hugh Cornwell 4´
1988 Zamilované maso (Meat Love “Carne enamorada”) 1´
1989 Tma, světlo, tma (Darkness/Light/Darkness “Oscuridad/Luz/Oscuridad”) 6´
1989 Flora 1´
1989 Animated Self-Portraits (Autorretrato animado; obra colectiva) 7´
1990 Konec stalinismu v Čechách (The Death of Stalinism in Bohemia “La muerte del
estalinismo en Bohemia”) 10´
1992 Jídlo (Food “Comida”) 14´

 

LA OBRA FÍLMICA DE JAN ŠVANKMAJER (1)

Como últimamente he estado hablando mucho sobre el ámbito musical, hoy he querido centrarme en otros ámbitos artísticos. Y es que el personaje al que dedico esta entrada es un todoterreno, Artista gráfico, escultor, diseñador, poeta… pero sobre todo es conocido en todo el mundo por sus películas de animación. Estoy hablando del director de cine checo Jan Švankmajer, nacido en Praga, el 4 de septiembre de 1934.

Estamos hablando, posiblemente, de uno de los abanderados modernos del Surrealismo, corriente a la que se unió a mediados de los 60, y que ha marcado toda su obra (en todos los niveles de la misma, desde la poesía hasta el cine). Como he dicho es checo, por tanto es heredero de la Escuela de Animación Checa, posiblemente la más importante, junto con la soviética, de las Escuelas de Animación que se formaron en los países de Europa del Este tras la Segunda Guerra Mundial. En este punto es necesario mencionar al que, con su obra, dio nombre a esta Escuela Checa, el ilustrador, escenógrafo y director de animación Jiří Trnka (1912 –1969). Especialista en la animación con marionetas o títeres, llegó a filmar 6 largometrajes y unos 15 cortometrajes en una carrera que abarca desde 1945 hasta su muerte. Una de sus metas es hacer obras dirigidas tanto a pequeños como a adultos y muchas de ellas estaban basadas en textos literarios, como es el caso de su versión de “El sueño de una noche de verano” (1959).

Trnka es una clarísima influencia en su obra, pero hay otras de igual importancia, como la naturaleza, bastantes veces, kafkiana de sus obras (no en vano Franz Kafka (1883-1924) era checo y “La Metamorfosis” es su máxima inspiración), y es indudable la huella tan imperecedera que dejo en él las películas de Luis Buñuel (1900-1983). Švankmajer, a su vez, ha sido citado como influencia para otros cineastas posteriores del mundo de la animación y a él han sentido pleitesía directores como los Hermanos Quay, Terry Gilliam o incluso Tim Burton.

En cuanto a su método de trabajo es bastante diferente y engloba multitud de técnicas de animación, pero sobre todo se vale de la Stop-motion para dirigir sus películas, sobre todo los cortometrajes. ¿Y qué utiliza?, pues desde títeres, figuras de plastilina o arcilla, juguetes antiguos, máquinas extrañas, esqueletos de animales, … y tiene una fijación muy particular con la comida. En alguno de sus cortos actúan actores reales y, desde que dio el salto al largometraje, todas sus obras mezclan acción real con animación.

Švankmajer también se ha valido de textos literarios para realizar sus obras, en concreto puedo citar a Lewis Carroll (1832-1898, ha creado un corto y un largometraje basado en sus obras), Edgar Allan Poe (1809-1849, en este caso base para dos cortometrajes y un largo) o Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832), en el que se basó para crear su segundo largometraje, “Fausto” (Lekce Faust 1994)

Algunos califican su obra de grotesca, de cruel, de pesadilla, pero no deja de ser una manera de contar historias que, en multitud de ocasiones, también te lleva a la (son)risa, pues no dejan de ser historias muy divertidas, teñidas de un humor negro peculiar. Pero bueno, Švankmajer es un poeta, y ha podido llevar a cabo su vena poética en el terreno literario y en el visual, incluyendo dentro de este ámbito un espíritu de denuncia y de protesta contra las cosas que le desagradan o le indignan.

Centrándonos ya en su carrera, su afinidad con las marionetas le viene de pequeño, lo que le llevó a estudiar en la Facultad de Artes Aplicadas de Praga y, posteriormente, en la Academia de Artes Escénicas, dentro de su departamento centrado en el Teatro de Títeres. Tras ello empieza a trabajar en el Teatro SEMAFOR de Praga y, después, en el famoso Teatro LATERNA MAGIKA. El que no conozca este teatro, y tenga intención de ir a Praga, debe saber que está especializado en teatro sin palabras pues se apoya en la mímica, en el baile, en el “Teatro Negro” checo y en las proyecciones fílmicas.

Todo ello le lleva al cine, donde debuta con un cortometraje llamado “Poslední trik pana Schwarcewalldea a pana Edgara” (1964), conocido en inglés como “The Last Trick”, pero que su traducción literal en español sería “El último truco del Sr. Schwarcewallde y del Sr. Edgar”. Es un homenaje velado a las obras de George Mèliès (1861-1938) y se rodó con técnicas del Teatro Negro.

En este primer corto ya participa su esposa Eva Dvoráková (1940-2005), con la que se casó en 1960 (y desde entonces se llamó Eva Švankmajerová). Es importante resaltar la figura de su mujer porque fue una persona clave en su vida, no en vano era pintora (también surrealista), escritora e incluso ceramista. Juntos tuvieron dos hijos (Veronika, nacida en 1963 y Václav, en 1975 y también dedicado a la animación). La obra de Eva es conocida fuera de las fronteras de su país y colaboró con su marido en bastantes de sus obras (en “Fausto”, en “Otesánek”, en “Alicia”…)

Por tanto Jan empieza su carrera en la Praga de los años 60, en la Checoslovaquia que quería vivir libre del yugo soviético, que tenía una actividad cultural de primera magnitud (se habla de la “Nueva Ola” del cine checo en esa época) y que desembocó en la Primavera de Praga de 1968 y su aplastamiento mediante la invasión del país por los tanques soviéticos. Muchos intelectuales huyeron del país (como Miloš Forman (1932-), Ivan Passer (1933-) o Jan Němec (1936-), cineastas coetáneos suyos) mientras que otros se quedaron en el país bajo la rígida mirada del régimen comunista sobre su obra, lo cual coartaba su libertad creativa y les imponía unas restricciones económicas importantes.

En 1965 había rodado dos cortos (“Hra s kameny” (Un juego con piedras) y “Johann Sebastian Bach: Fantasia G-moll”, y otros dos en 1966 “Et Cetera” y sobre todo “Rakvičkárna”, conocido en inglés como “Punch and Judy” y que es considerado como su primera gran obra. Por aquel entonces colaboraba con Zdeněk Liška (1922-1983), el autor de la música para sus cortos hasta finales de los 70, y que crea una música fundamental para acompañar las imágenes de este cortometraje.

Después de otro corto en 1967 (“Historia Naturae (Suita)”), vendrían los dos cortos de 1968 (el mismo año de la Primavera de Praga), que se consideran fundamentales dentro de su obra, “Zahrada” (“El jardín”) y “Byt” (“El apartamento”). De hecho en 1968 realizó tres cortometrajes (el tercero es “Picknick mit Weissmann”), pero estos dos son importantísimos. “Zahrada” es uno de los pocos ejemplos donde Švankmajer busca contar una historia y uno de sus ejemplos mas “Buñuelianos”. No hay animación (cosa muy extraña en él) y cuenta la historia de un hombre que lleva a otro a su casa donde tiene una verja creada con personas unidas de sus manos… yo, al menos, veo una gran inspiración en “El Ángel Exterminador” (1962).

“Byt”, es un claro ejemplo de su obra, los sueños sin un soñador, como cuando el protagonista se mira en el espejo y ve reflejada su parte posterior de la cabeza. Kafka está muy presente en este corto donde un hombre se encierra en su apartamento e intenta dormir pero los objetos que hay en su interior se lo impiden. Es, posiblemente, su obra más autobiográfica y parida en un clima como el que vivía donde su libertad creativa se veía limitada, lo cual desembocaba en una mezcla de frustración, rabia contenida y desesperación.

Tras ello rueda tres cortos entre 1969 y 1970, “Tichý týden v domě” (“Una semana tranquila en casa” 1969), “Don Šajn” (“Don Juan” 1970) y “Kostnice” (“El osario”, 1970). Obras que siguen reafirmando su carrera y que empiezan a ser mal vistas por el aparato del régimen comunista en el poder. En 1971 rueda su primer acercamiento al universo de Lewis Carroll, pues rueda un corto basado en el famosos poema sin sentido que aparece en “A través del espejo y lo que Alicia encontró allí”. Me refiero al poema “Jabberwocky”, nombre por el que es conocido este corto, aunque realmente se titula “Žvahlav aneb šatičky slaměného Huberta” (1971).

En 1972, justo tras rodar otro cortometraje (“Leonardův deník” (“El diario de Leonardo”, sobre Da Vinci)), el gobierno le inhabilita para realizar películas, prohibición que perdurará hasta finales de los 70 (hasta 1979 no puede terminar y estrenar “Otrantský zámek” (“El castillo de Otranto”) empezado antes de su condena. La consecuencia de ser checo, de estar denostado por las autoridades comunistas del país, y de ser un realizador a contracorriente hizo que su obra fuera apenas conocida fuera del ámbito soviético hasta principios de los años 80.

Pero es justo en esa década cuando se le reconoce justamente por su obra y empieza a cimentarse su fama como uno de los mejores cineastas-animadores del mundo. Y esta década empieza con un cortometraje que se acerca a una de las obras más famosas de Poe, “La caída de la casa Usher” (“Zánik domu Usherů”, 1980), al que le sigue su corto más famoso y el que verdaderamente puso su nombre en boca de todo el mundo de la animación. Hablo de “Možnosti dialogu” (1982), conocido en inglés como “Dimensions of Dialogue” y que, literalmente significa Opciones de Diálogo.

El éxito obtenido con “Možnosti dialogu” le permitió dos pasos de gigante en su carrera, el primero ser conocido en todo el Mundo y en segundo lugar tener, por fin, la posibilidad de rodar y estrenar un largometraje. Antes de ponerse a ello todavía rodó dos cortos en 1983, “Do pivnice” (“Al sótano”) y su segundo corto basado en obras de Poe, “Kyvadlo, jáma a naděje” (“El péndulo, el pozo y la esperanza”), aunque también utiliza como base una narración de Auguste Villiers de L’Isle-Adam (1838-1889).

 

 

BOWIE (y 3): BOWIE Y EL CINE

Acabo ya con este tríptico dedicado a Bowie centrándome en su relación con el séptimo arte, tanto en su vertiente como actor como en sus aportaciones a Bandas Sonoras de películas. Empezamos con el David Bowie actor. El primer acercamiento de Bowie al mundo del cine proviene de 1967 cuando aparece en un corto experimental llamado “The Image”. También os hablé en la primera entrega del corto para TV de Lindsay Kemp que se emitió en 1970. Pero realmente su irrupción en el cine fue en el año 1976.

Por aquel entonces Bowie ya era una estrella dentro del mundo del rock y su actuaciones ya mostraban su vena actoral. Habiendo creado a un extraterrestre que venía de Marte como alter ego era normal que su primer papel protagonista fuera el de un extraterrestre que llega a la Tierra para intentar salvar su planeta. La película es “El hombre que vino de las Estrellas” (The Man who fell to Earth) y se rodó en 1975 aunque no se estrenó hasta marzo de 1976. El director que confió en él para protagonizar la película fue Nicolas Roeg (1928-).

 

 

Posteriormente vino otra película menor en 1978 (“Gigolo”), un Cameo en una película alemana en la que, además, aportaba la Banda Sonora con sus canciones de la Trilogía Berlinesa, y una versión para televisión del “Baal” de Berthold Brecht. También se atrevió a interpretar a John Merrick en una versión teatral de “El Hombre Elefante”.

1983 se puede decir que fue su gran año dentro del mundo del cine. Estrena dos películas y ambas son maravillosas, especialmente “Feliz Navidad, Mr Lawrence”, del director japonés Nagisa Oshima (1932-2013). Una de las películas que me marcaron en mi adolescencia y en las que, curiosamente, Bowie no aporta música, porque eso lo hacía su co-protagonista el compositor y músico japonés Ryuichi Sakamoto (1952-). La película se estrenó en el Festival de Cannes, en mayo de 1983 y desde entonces se convirtió en la mejor película del Bowie actor.

La otra gran película de ese año 1983 fue “El Ansia” (The Hunger), de Tony Scott (1944-2012). Si la otra era una película que trataba unos hechos en un campo de concentración japonés en la Segunda Guerra Mundial, ésta era una película de vampiros donde se establecía un triángulo amoroso entre Bowie, Susan Sarandon (1946-) y Catherine Deneuve (1943-). Fantástica película también, posiblemente la mejor de su director.

Con estos dos grandes papeles se podría pensar que Bowie se iba a dedicar al cine, pero no. Su otro gran año en el cine fue 1986, donde volvió a estrenar dos películas y, entre medias, sólo hizo un pequeño papel para la película de John Landis “Cuando llega la noche” (Into the night, 1985). De las dos películas una es prácticamente olvidable (“Absolute Beginners”), de la que hablaré luego porque lo único salvable es una de las canciones que aportó Bowie a su Banda Sonora. La otra sí que es importante, aunque tampoco funcionó demasiado bien en taquilla. Se trata de “Dentro del Laberinto” (Labyrinth, 1986) del añorado Jim Henson (1936-1990). Bowie hacíale papel de Jareth, el rey de los Goblins (interpretados por los seres de Henson) y el otro papel protagonista era para una juvenil Jennifer Connelly (1970-).

Tras esos dos fracasos Bowie se dio cuenta de que lo suyo era la música y no volvió a protagonizar ninguna película, salvo en dos o tres casos francamente olvidables. Se habla de que la industria del cine dejó de confiar en él pero yo creo que prefirió tomarse el cine como un divertimento. De ahí que a partir de 1987 sólo hiciera pequeños papeles en películas, además de numerosos cameos en series de televisión. Por ejemplo entre 1987 y 1995 sólo son reseñables sus pequeñas aportaciones a “La última tentación de Cristo” (1988), de Martin Scorsese (1942-) y a Twin Peaks: fuego camina conmigo (1992), de David Lynch (1946-).

En 1996 el pintor y director de cine Julian Schnabel (1951-) le permitió interpretar el papel de Andy Warhol (1928-1987) en el biopic sobre la vida y obra del artista neoyorquino Jean-Michel Basquiat (1960-1988). Éste ha sido el papel más importante de Bowie para el cine entre 1987 y su fallecimiento. Además Bowie era un candidato adecuado para interpretar al artista por que le conocía desde principios de los 70.

Tras Basquiat poco hizo. Tres películas olvidables entre 1997 y 2000, dos cameos (en Zoolander, 2001 y en Bandslam, 2009) y dos pequeños papeles uno de los cuales sí que quiero resaltar. En 2006 interpretó al inventor, físico e ingeniero Nikola Tesla (1856-1943), el padre de la corriente alterna. Fue en la película “El truco final” (The Prestige), del actualmente afamado director Christopher Nolan (1970-). Era un papel pequeño, pero fundamental, dentro de la trama de la película que, por lo demás, era una película sobre dos magos que competían entre sí hasta las últimas consecuencias.

Visto el David Bowie actor, pasamos a sus aportaciones a las Bandas Sonoras de películas. El primer día os dije que Bowie compuso una Banda Sonora y media. Realmente está acreditado en 3 (Christiane F. (1981), Dentro del Laberinto (1986) y The Buddha of Suburbia (1993)). La primera, ya la mencioné antes, no presenta ninguna obra original, son canciones de discos anteriores. La segunda está hecha mano a mano con el compositor sudafricano Trevor Jones (1949-), y sólo la última, una mini serie para TV, es completamente suya.

Aparte de “Dentro del Laberinto” y “The Buddha…” Bowie ha aportado muchas canciones para distintas películas. En muchísimas ocasiones han sido canciones antiguas, en bastantes casos versiones de canciones anteriores y en muy pocos casos aportó canciones originales para estrenarlas en las Bandas Sonoras de esas películas. En esas me voy a centrar yo porque son unas 10.

1978 Gigolo. Para esta película Bowie aporta la canción “Revolutionary Song”

1982 El Beso de la Pantera (Cat People). En este caso fue “Putting Out The Fire (Theme From Cat People)” (Luego En Let´S Dance 1983)

1985 El Juego del Halcón . Ayer trataba el tema de las colaboraciones y mencionaba otra de la que iba a hablar hoy. Aquí está la unión de dos genios de la que sólo podía salir una canción maravillosa, “This Is Not America” con Pat Metheny (1954-)


1986 Principiantes (Absolute Beginners). Lo dicho anteriormente, Bowie aporta la canción principal “Absolute Beginners”

1986 Dentro del Laberinto. De las canciones que aporta me quedo con la más conocida “Underground”

1986 Cuando el Viento sopla. Para esta maravillosa película de animación, Bowie aporta el tema principal, “When The Wind Blows”

1992 Una Rubia entre Dos Mundos (Cool World). Película que mezcla imagen real y animación. La canción de Bowie fue “Real Cool World”

1993 The Buddha of Suburbia. De su Banda Sonora os dejo la canción que sirve como tema principal.

1995 Showgirls. Para el bodrio de Verhoeven, Bowie compuso una buena canción como es “I’m Afraid Of Americans” (Luego En El Disco Earthling 1997)

1997 Carretera Perdida (Lost Highway). Aquí permitidme una licencia. La canción “I’m Deranged” es del disco “Outside” de 1995. Sin embargo la he escogido porque actúa como tema principal y motor de la fantástica película de David Lynch.


2001 Moulin Rouge. Bowie interpreta una versión de la multiversionada canción “Nature Boy”, inmortalizada por Nat “King” Cole (1919-1965).

2005 La Amenaza Invisible. Stealth. Por último una canción compuesta en colaboración con BT (Brian Transeau), “(She Can) Do That”

Esto ha sido todo os dejo un listado con las películas, series, etc donde Bowie ha actuado como actor. Espero haber honrado justamente a su memoria.
Cine
2009 Bandslam – David Bowie (cameo)
2008 August – Cyrus Ogilvie
2006 El truco final (El prestigio) – Nikola Tesla
2001 Zoolander (Un descerebrado de moda) – David Bowie (Cameo)
2000 El secreto del señor Rice – Mr. Rice
1999 Everybody Loves Sunshine – Bernie
1998 Il mio West – Jack Sikora
1996 Basquiat – Andy Warhol
1992 Twin Peaks: fuego camina conmigo – Phillip Jeffries
1991 Encadenadamente tuya – Monte
1988 La última tentación de Cristo – Poncio Pilatos
1986 Dentro del laberinto – Jareth
1986 Principiantes – Vendice Partners
1985 Cuando llega la noche (Into the night) – Colin Morris
1983 Feliz Navidad, Mr. Lawrence – Jack ‘Strafer’ Celliers
1983 El ansia (The Hunger) – John Blaylock
1982 Baal (TV) – Baal
1981 Yo, Cristina F – David Bowie (cameo, sale tocando en un concierto)
1978 Gigolo – Paul Ambrosius von Przygodski
1976 El hombre que vino de las Estrellas – Thomas Jerome Newton
Series de TV, Cortos y obras donde aporta su voz o no está acreditado
2007 Bob Esponja (TV Series) Lord Royal Highness – Atlantis SquarePantis (2007) (voz)
2006 Arthur y los Minimoys Maltazard (versión inglesa, voz)
2006 Extras (TV Series) – David Bowie (2006) David Bowie
2005 Nathan Barley (TV Series) 1 Episodio David Bowie (no acreditado)
2000 Empty (corto) Man
1999-00 El lado salvaje del deseo (The Hunger) (TV Series) (20 episodios) Presentador / Julian Priest
1999 Omikron: The Nomad Soul (Videojuego) Boz / The Dreamers (voz)
1993 Full Stretch (TV Series) 1 episodio David Bowie
1991 Sigue soñando (TV Series) 1 episodio Sir Roland Moorecock
1984 Jazzin’ for Blue Jean (Video corto) Screamin’ Lord Byron / Vic
1983 Los desmadrados piratas de Barba Amarilla The Shark (Cameo no acreditado)
1982 The Snowman (corto animación) intro como Older James
1970 Pierrot in Turquoise or The Looking Glass Murders (TV corto) Cloud
1969 The Virgin Soldiers Soldier (cameo no acreditado)
1968 Theatre 625 (TV Series) – The Pistol Shot (1968)
1967 The Image (Short) The Boy