JOHN HUGHES Y LAS CANCIONES QUE ESCOGIÓ PARA SUS PELÍCULAS

Últimamente he estado revisionando algunas de las películas que John Hughes (1950–2009) dirigió en los años 80, como “El Club de los 5” o “Todo en un día”. Tengo que reconocer que, en su momento, no me atrajeron nada pero, con el paso de los años, he tenido que valorar que algunas de sus contribuciones al séptimo arte han quedado ya como testimonio del paso de la adolescencia a la madurez de la generación que nos tocó vivir en esa década y sufrir ese tránsito.  

John Hughes, aparte de dirigir un puñado de películas (solamente 8 y en menos de 10 años), fue sobre todo guionista y productor de casi todas las películas para las que creo dichos guiones. De hecho, entre 1984 y 2000 produjo todas menos las de la saga ”National Lampoon”, la primera película de “Beethoven” y dos de las ocho que dirigió, “16 Velas” y “La mujer explosiva”.

Nacido en Michigan, se mudó con su familia cerca de Chicago (Illinois) cuando tenía 13 años y Chicago es muy importante es sus películas pues es el espacio geográfico de prácticamente todas ellas. Es cierto que, hoy en día, se le recuerda por sus películas de adolescentes de los años 80 y por sus películas familiares de los años 90 (ya solamente como productor y guionista), como la trilogía de “Solo en Casa”, “Beethoven”, “101 Dámatas”, “Flubber”… Pero yo tengo que reconocerle otros logros importantes más, como su capacidad para apostar por nuevos talentos (ahí están Molly Ringwald, Anthony Michael Hall, Matthew Broderick, Macaulay Culkin, varios más de los que formaron el “Brat Pack” o, incluso Michael Keaton), sus colaboraciones con el siempre añorado John Candy, y su selección de canciones para sus películas.

Respecto a John Candy, gran amigo suyo, aparte de ser colaborador suyo en varias películas (National Lampoon’s Vacation (1983), Planes, Trains and Automobiles (1987), The Great Outdoors (1988), Uncle Buck (1989), Home Alone (1990),…) también le une, de manera trágica, la forma de morir. Ambos fallecieron antes de tiempo debido a un paro cardíaco, Candy en 1994 y Hughes en 2009.

Pero esta entrada está relacionada con las canciones que adornan las tramas de sus películas y, como solamente dirigió 8, he querido complementarlas con otras dos películas que son prácticamente suyas, estilísticamente y conceptualmente, pero que las dirigió su amigo Howard Deutch, “La chica de rosa” (Pretty in Pink) y “Una maravilla con clase” (Some Kind of Wonderful). Empecemos.

Su primera película como director llega en 1984, tras dos guiones firmados el año anterior que acabaron siendo dos películas de éxito en 1983: “Las locas peripecias de un señor mamá” (Mr. Mom) con Michael Keaton y “Las vacaciones de una chiflada familia americana” (National Lampoon’s Vacation), primera parte de la trilogía que protagonizó Chevy Chase en los 80 y en la que Hughes participó como guionista, pues él empezó creando historias en esa revista satírica americana que acabó produciendo películas. El título de su debut en la dirección fue 16 VELAS (16 Candles), con Molly Ringwald y Anthony Michael Hall como actores principales. Tres de las canciones que aparecen en dicha películas son éstas.

Tras el éxito de su primera película como director realizó una de sus obras más conocidas, EL CLUB DE LOS CINCO (The Breakfast Club, 1985), sobre cinco adolescentes que tienen que compartir castigo en su instituto un sábado. Aparte de Ringwald y Hall, también aparecen en esta película Emilio Estévez, Judd Nelson y Ally Sheedy. Las dos canciones más importantes de la película son éstas.

Ese año de 1985 dirige otra película en la que también participa Anthony Michael Hall, que comparte cartel con Kelly Le Brock. Se titula LA MUJER EXPLOSIVA (Weird Science). La canción principal de esta película fue creada por el grupo, en aquel entonces, del famosísimo Danny Elfman. Poco después empezaría su carrera como autor de Bandas Sonoras, junto a su amigo Tim Burton. Aparte de esa canción también he escogido uno de los cañonazos de Killing Joke que también forma parte de la película.

En 1986 cede uno de sus guiones a su amigo Howard Deutch para que él también debute como director, y también se convirtió en un éxito por su impronta muy reconocible. Se trata de la ya mencionada LA CHICA DE ROSA (Pretty in Pink), protagonizada por Ringwald, John Cryer y Andrew McCarthy. La Banda Sonora de esta película estuvo muy atinada al juntar a varias bandas que han pasado a las historia. En este caso he escogido cinco muestras.

Pero su contribución como director ese año de 1986 también fue otro de sus grandes éxitos. Me refiero a la ya mencionada al principio, TODO EN UN DÍA  (Ferris Bueller’s Day Off), con Matthew Broderick, Alan Ruck y Mia Sara como elenco principal. Hasta ahora no he mencionado a los actores secundarios pero siempre tienen un papel importante en sus películas. Merece destacarse a Harry Dean Stanton en “La chica de rosa” o a Jeffrey jones en esta película, por poner solamente a dos de esos secundarios. Las dos canciones más importantes de esta película son las siguientes.

En 1987 firma como director MEJOR SOLO QUE MAL ACOMPAÑADO (Planes, Trains and Automobiles), con la que quería dejar atrás su contribución al cine de adolescentes. Es una comedia protagonizada por John Candy y Steve Martin que no tuvo tanto éxito como las anteriores. Dos de las canciones de la película son las siguientes.

Y de ese año de 1987 es también su segunda colaboración con Howard Deutch. La segunda película que firmaron Hughes al guión y producción y Deutch dirigiendo fue UNA MARAVILLA CON CLASE (Some Kind of Wonderful), interpretada por Eric Stoltz, Mary Stuart Masterson y Lea Thompson. Ésta sí que tuvo bastante éxito porque volvía a estar protagonizada por adolescentes o jóvenes en busca de autoafirmación. Las tres canciones que he elegido de esta película son las que siguen.

En 1988 dirige LA LOCA AVENTURA DEL MATRIMONIO («She’s Having a Baby») protagonizada por Kevin Bacon y Elisabeth McGovern. Fue su único acercamiento como director a la comedia romántica. Dos canciones de esta película os he seleccionado.

Otra de sus grandes colaboraciones con John Candy es su película de 1989, SOLOS CON NUESTRO TÍO  (Uncle Buck), que yo considero una precuela de SOLO EN CASA, porque también aparece en ella Macaulay Culkin. Evidentemente fue una primera muestra de lo que iba a ser su cine familiar de los 90. Otras dos canciones he escogido de esta película.

Hughes se despidió de la dirección en 1991 con otra película familiar, bastante olvidable, llamada LA PEQUEÑA PÍCARA (Curly Sue) con Kelly Lynch, Alisan Porter y James Belushi como elenco principal. El año antes ya había pegado el pelotazo de su vida con SOLO EN CASA y, a partir de ese momento, decidió dedicarse exclusivamente a la realización de guiones para películas que él produciría, incluyendo algunas para Disney (101 Dálmatas, Flubber…). A partir de 1999 abandonaría también la producción de películas y solamente firmó tres guiones en la última década que le tocó vivir. Las dos canciones que he elegido son del mismo grupo, pues la BSO de esta película era de George Delerue y hay pocas canciones en ella.

Bueno, eso es todo. Espero que os haya gustado esta selección de canciones. Abajo os dejo las películas que realizó (aparte de las ya mencionadas) como guionista, volviendo a recordar lo que os dije anteriormente, casi todas las películas entre 1985 y 2000 fueron producidas por él también.

Otras películas como Guionista  

 2008 No tan duro de pelar   (Drillbit Taylor )

 2002 Sucedió en Manhattan   (Maid in Manhattan)

 2001 Dos colgados en Chicago – Los visitantes cruzan el charco   (Just Visiting )

 1998 Objetivo: La roca   (Reach the Rock)

 1997 Solo en casa 3 (Home Alone 3)

 1997 Flubber y el profesor chiflado (Flubber)

 1996 101 dálmatas (¡Más vivos que nunca!) (101 Dalmatians)

 1994 Milagro en la ciudad   (Miracle on 34th Street)

 1994 El peque se va de marcha (Baby’s Day Out)

 1993 Daniel el travieso (Dennis the Menace)

 1992 Solo en casa 2: Perdido en Nueva York  (Home Alone 2: Lost in New York)

 1992 Beethoven: Uno más de la familia (Beethoven)

 1991 Tu novio huele mal   (Dutch)

 1991 Destinos opuestos   (Career Opportunities)

 1990 Solo en casa (Home Alone)

 1989 ¡Socorro! Ya es Navidad (National Lampoon’s Christmas Vacation)

 1988 Dos cuñados desenfrenados (The Great Outdoors) dirigida también por Howard Deutch

 1985 Las vacaciones europeas de una chiflada familia americana (National Lampoon’s European Vacation)

 1983 Las vacaciones de una chiflada familia americana (National Lampoon’s Vacation)

 1983 Las locas peripecias de un señor mamá (Mr. Mom)

 1983 Los piratas de las islas salvajes  (Nate and Hayes)

 1982 Reunión de clase    (National Lampoon’s Class Reunion)

LOS “ESPAÑA – EEUU”, 20 PARTIDOS DE BALONCESTO PARA EL RECUERDO ENTRE 1975 Y 2020 (II)

Hasta el comienzo del siglo XXI, el 1 de enero de 2000, España y EEUU se habían enfrentado en 20 ocasiones. En estada segunda parte se van a tratar los 10 enfrentamientos restantes que se han disputado en los últimos 20 años.

Y hay que comenzar con un amistoso jugado en Tokio como preparación para los JJ.OO. de Sídney, en 2000. Se disputó el 5 de septiembre de ese año y el resultado fue 66-95. Momento éste para recordar que en ese torneo debutaron con la selección Juan Carlos Navarro, Jorge Garbajosa y Raúl López y que la selección norteamericana venía comandada por estrellas como Vince Carter, Kevin Garnett o Gary Payton. Después del mal papel de España en estos JJ.OO., Lolo Sainz dejó la Selección y fue sustituido por Javier Imbroda, que llevó las riendas de la Selección en los dos siguientes campeonatos.  

El siguiente enfrentamiento acaeció en el Mundial de Indianápolis de 2002. Fue en el partido por el 5º y 6º clasificados de ese campeonato y se jugó el 7 de septiembre de ese año. Ambas selecciones venían de hacer un buen campeonato hasta llegar a cuartos donde perdieron contra Alemania (la selección española) y contra Yugoslavia (la estadounidense). Uno de los partidos más importantes en la historia del Combinado español porque supuso la cuarta victoria frente a los EEUU y la primera frente a jugadores NBA. El resultado final fue 81-75 y vino a demostrar que la generación de jugadores jóvenes empezada dos años antes, ampliada el año anterior con la llegada de Pau Gasol o Felipe Reyes, y complementada con la aparición de José Manuel Calderón en este campeonato, iba a dar muchas alegrías al combinado español. Los norteamericanos estaban liderados por Reggie Miller, Paul Pierce o Elton Brand, por mencionar solamente a tres.

Los Juegos de Atenas de 2004 posiblemente hayan sido los más injustos para la Selección Española en lo que llevamos de siglo. Después de hacer una primorosa primera Fase, los jugadores de Mario Pesquera (entrenador entre 2004 y 2005, tras sustituir a Moncho López, artífice de la plata conseguida en 2003) llegaban a cuartos imbatidos tras ganar a los dos finalistas de esos Juegos (Argentina e Italia) y al vigente Campeón Mundial, que competía como Serbia y Montenegro. EEUU venía de quedar 4ª en su grupo y pasarlo muy mal para clasificarse para cuartos de final tras perder en Primera Fase con Lituania y Puerto Rico. Pero en ese partido decisivo, jugado el 26 de agosto de 2004, los anárquicos jugadores NBA decidieron tener un buen día y ganaron a España por 94-102, con una actuación estelar de Stephon Marbury, auxiliado por Allan Iverson, Tim Duncan o Lamar Odom y con estrellas en ciernes en el banquillo como Carmelo Anthony, Dwayne Wade o LeBron James. Por el combinado español lo mejor fue el debut con la selección de Rudy Fernández y cuando digo injusto es porque España acabó 7ª por una absurda decisión de la organización que estableció que el perdedor de ese partido jugaría por el 7º y 8º puesto. Actualmente habría acabado 5ª. Éste partido está desgraciadamente inaccesible, por ahora, en Youtube.

Los dos siguientes enfrentamientos tuvieron lugar cuatro años después, en la siguiente edición de los JJ.OO., la de Pekín 2008. España llegaba como Campeona Mundial y Subcampeona de Europa, tras la etapa de Pepu Hernández, y EEUU venía con el que llamaban el “Redeem Team”, el equipo de la Redención, tras los malos resultados en 2002, 2004 y 2006, liderado por Kobe Bryant, LeBron James, Carmelo Anthony, Dwayne Wade, etc. España había incorporado dos años antes a Marc Gasol y ese año debutó, con 17 años, Ricky Rubio, que jugó un campeonato espectacular para su edad.

El primer partido se disputó el 16 de agosto, dentro de la cuarta jornada del Grupo B, donde ambas selecciones habían sido encuadradas. El resultado fue un esperado 82-119, pues los españoles no forzaron la máquina. Aíto García Reneses, el seleccionador elegido solamente para esos JJ.OO., se guardó todo su arsenal de estrategias para la final, que se disputó el 24 de agosto. Hay mucha gente que lo considera el mejor partido de la historia (no es mi caso aunque estoy seguro que está entre los mejores partidos jugados en torneos olímpicos o mundiales), pero es innegable el fantástico recital que ofrecieron ambos equipos para acabar en el 107—118 que acabó reflejando el marcador.

En la preparación para el Campeonato del Mundo de Turquía 2010, se produjo el siguiente enfrentamiento entre España y EEUU. Fue un partido amistoso disputado en Madrid el 22 de agosto. Pau Gasol no estaba disponible en esa ocasión pero el resto del equipo español era el que consiguió la medalla de oro el año anterior en Polonia, incluyendo a los recién llegados Víctor Claver y Sergio Llull. La fatalidad hizo que José Manuel Calderón se lesionara en este partido y se perdiera el Campeonato, teniendo que llamar Sergio Scariolo (seleccionador desde el año anterior) a Raúl López. EEUU llevaba para ese campeonato a estrellas en ciernes como Stephen Curry, Russell Westbrook, Kevin Love o Kevin Durant ayudados por jugadores más veteranos. Le valió para ganar ese campeonato, como todos los disputados entre 2008 y 2016, bajo las órdenes de Mike Krzyzewski.

En 2012 volvió a haber un doble enfrentamiento entre España y EEUU. Primero un partido amistoso celebrado el 24 de julio en Barcelona (78-100, fue el resultado final) y la segunda ocasión fue el partido de la final de los JJ.OO. de Londres, disputado el 12 de agosto de ese 2012. España venía de revalidar su título continental en Lituania el año anterior, había nacionalizado al congoleño Serge Ibaka, que tuvo un papel relevante en el título conseguido en 2011, y se había recuperado a Sergio Rodríguez. EEUU volvía a contar con los Kobe Bryant, LeBron James, Carmelo Anthony, Chris Paul y con 4 jugadores que habían empezado a despuntar con fuerza en la NBA,  Russell Westbrook, Kevin Love, Kevin Durant y James Harden. Este partido, en mi humilde opinión, lo considero como mínimo al mismo nivel que la final de 2008 si no mejor. No hay nada más que recordar el marcador final 100-107.

En los Juegos de Río de 2016 se disputó el penúltimo enfrentamiento, hasta ahora, entre España y EEUU. Fue en las semifinales de ese Campeonato disputadas el 19 de agosto de ese año. Partido reñido en el que España consiguió bajar a EEUU de los 100 puntos, como manera de poder optar a la victoria. El problema fue que los americanos también se fajaron en defensa como pocas veces antes. Simplemente ver el resultado final para ver lo reñido de este tercer gran envite de las dos mejores selecciones mundiales, 76-82.

España venía de ganar su tercer título europeo el año anterior en Francia, gracias al inmenso trabajo de Pau Gasol y sus compañeros, entre los cuales se apuntó para la causa también al montenegrino, nacionalizado español, Nikola Mirotic y a Willi Hernangómez. EEUU venía encabezado por el trío de GSW (K. Durant, Klay Thompson y Draymond Green) auxiliado por otras grandes figuras como DeAndre Jordan o Kyle Lowry.

El último enfrentamiento entre estas dos selecciones tuvo como sede Anaheim, California. Fue un partido amistoso de preparación para el Mundial de China que se disputó en esa localidad de EEUU el 16 de agosto del año pasado, 2019. Como todos los amistosos que disputa España, le sirvió para ir pillando rodaje y dinámica de juego para afrontar el campeonato en el que siempre (al menos desde que está Scariolo al mando) empieza de menos a más. EEUU llevó a dicho campeonato a una selección muy joven y, sobre todo, muy inexperta a la hora de afrontar una competición FIBA. España también acudía a ese campeonato con multitud de bajas (Pau, Navarro (retirado), Sergio Rodríguez, Mirotic, Ibaka,…), pero consiguió hacer un grupo sólido en defensa y capaz de llevarse el Campeonato Mundial por segunda vez, tras la de 2006 en Japón. Entre los destacados en EEUU podemos mencionar a Donovan Mitchell, Jayson Tatum, Kemba Walker o Khris Middleton. El resultado final de este último encuentro fue 81-90.

Tanto España como EEUU están clasificadas para los JJ.OO de Tokio que se han tenido que posponer a 2021 por culpa de la “pandemia”. Seguramente el año que viene vuelva a haber un nuevo enfrentamiento entre estos dos Titanes. Veremos.

LOS “ESPAÑA – EEUU”, 20 PARTIDOS DE BALONCESTO PARA EL RECUERDO ENTRE 1975 Y 2020 (I)

Después de terminar el mes de agosto he pensado que la mejor forma de comenzar el año (yo prefiero regirme por el año escolar, no por el natural) sería recordando los partidos que la Selección Española de Baloncesto ha disputado contra la Selección de los EEUU en los últimos 45 años.

La razón de elegir 1975 es muy sencilla, a partir de ese momento hay disponibilidad de imágenes en Internet y antes de esa fecha desgraciadamente no. De hecho, de los 21 enfrentamientos que han disputado estas dos Selecciones a partir de 1975, solamente uno es imposible de encontrar y otro, que me fastidia enormemente, está actualmente no accesible desde plataformas como Youtube, Vimeo, etc.

Pero vamos al principio. España y EEUU han disputado entre si un total de 30 partidos (en las estadísticas de la FEB pone 29, pero hay otro partido que he querido añadir porque es, sin duda alguna, un enfrentamiento más entre ellas). El balance, actualmente, es de 4 victorias españolas y 26 victorias estadounidenses.

El primer enfrentamiento entre los 2 Colosos del siglo XXI tuvo lugar el 22 de agosto de 1960 en Lugano (Suiza). Fue un partido amistoso de preparación para los JJ.OO. de Roma y el resultado fue de 59-91. Quiero dejar ya claro que siempre voy a poner delante el marcador español y después el de EEUU, para seguir una coherencia en el relato.

Dos años después volvieron a verse las caras, por partida doble, en 2 Torneos Amistosos que se celebraron en Manila (Filipinas) y en Taipéi, la capital de la antigua Formosa y actual Taiwán o China Taipéi. Dichos torneos se fecharon ante la imposibilidad de disputar el Mundial de Baloncesto en Filipinas en ese año de 1962. Dicho Mundial se acabó celebrando en Brasil en 1963. Evidentemente los dos partidos acabaron con derrota española por 73-90 (en Manila) y por 63-112 (en Taipei)   

El siguiente enfrentamiento, el cuarto, entre ambas tuvo lugar en Santiago de Chile, dentro del Mundial Extraordinario que se disputó en 1966 y que, posteriormente, la FIBA no quiso dar carácter de competición oficial. Volvemos a los mismos problemas que ocurrieron en 1962, el Mundial se tuvo que retrasar a 1967 (y se celebró en Uruguay) pero Chile consiguió aglutinar a las mejores selecciones del momento en dicho Torneo, disputado en abril de 1966. El resultado, esa vez, fue 71-90.

El primer partido IMPORTANTE (por ser en Competición Oficial) entre ambas selecciones no llegó hasta los JJ.OO. de Ciudad de México, en 1968. Fue el 13 de octubre de ese año, en el partido de debut de ambas selecciones en dicha competición, pues ambas acabaron enclavadas en el Grupo A. España ya tenía a Clifford Luyk como nacionalizado y seguía con el bloque de esa época (los Buscató, Emiliano, Alfonso Martínez, Vicente Ramos…). Aún así se perdió por 35 puntos, 46-81.

Saltamos a 1972 a otro doble enfrentamiento amistoso entre ambas selecciones, disputados en Julio de ese año, el primero en Sao Paulo y el segundo en Buenos Aires. Como en 1960, se trataba de disputar varios amistosos de preparación para los JJ.OO de Múnich, que empezaron un mes después. Lo destacable no fue que se perdiera en Sao Paulo (82-100), sino que se ganara POR PRIMERA VEZ a los EEUU en el partido de Buenos Aires, y además por 17 puntos (97-80). Todos recordamos como acabaron esos JJ.OO., que han dado pie a infinidad de documentales, libros e incluso una película rusa que intenta mostrar la hazaña soviética desde el punto de vista de aquel equipo de leyenda. De hecho, España y EEUU también se enfrentaron en esos JJ.OO., pues volvieron a caer juntas en el grupo A de ese Torneo Olímpico. El resultado final fue de 56-72.

Dos años después, tras la fantástica plata del Europeo de Barcelona de 1973, España volvía a un Mundial de Baloncesto (o Mundobasket como siempre hemos denominado), cosa que no ocurría desde la 1ª edición del Torneo global organizado por la FIBA, la de Argentina en 1950. A esas alturas se disputaba la 7ª Edición y el anfitrión fue Puerto Rico, que organizó el Torneo para disputarse en Julio de 1974. España y EEUU volvieron a coincidir en Primera Fase, esta vez en el Grupo B. El enfrentamiento tuvo lugar en la 2ª Jornada, en la sede de Caguas, y el resultado fue de 71-114. España realizó un estupendo campeonato acabando en 5ª posición, su mejor resultado internacional hasta la fecha.

Como ya he dejado claro anteriormente, no existen testimonios videográficos de esos 9 enfrentamientos disputados entre 1960 y 1974. Ha sido ésta la razón por la que he querido centrar el tema entre 1975 y el actual 2020. Pero podía haber elegido entre 1981 y 2020, ya que EEUU y España estuvieron 8 años sin coincidir, debido a la fatalidad de caer con Brasil en el Preolímpico para los JJ.OO de Montreal (en 1976), la no clasificación española para el Mundial de Filipinas (en 1978) y el boicot estadounidense a los JJ.OO. de Moscú, en 1980.

Hubo que esperara a la siguiente cita internacional para poder ver un España – EEUU. Fue en el Mundial de Colombia de 1982 donde se disputó el décimo enfrentamiento entre ambas selecciones. Antes de hablar de este partido, quiero mencionar a los seleccionadores que llevaron al frente a sus combinados en los 9 enfrentamientos anteriores. En 1960 fue Eduardo Kucharsky, los dos amistosos de 1962 los afrontó el malogrado Joaquín Hernández y desde el Mundial Extraordinario de Chile de 1966 ya estaba al frente Antonio Díaz-Miguel.  

Ya sí, después de un necesario prólogo para ponernos en situación, llegamos a ese partido en Bogotá del 17 de agosto de 1982. España y EEUU vuelven a quedar enclavadas en el Grupo A y tienen que jugar entre sí en el tercer y último partido de la Primera Fase del Campeonato. Creo que ya lo he dicho anteriormente, pero no me importa volver a decirlo, éste fue el primer campeonato que tengo constancia de haber seguido por TV. Recuerdo que fue el último campeonato de Wayne Brabender con la selección, recuerdo el magnífico papel de la selección, que mereció el bronce en aquel robo descarado contra Yugoslavia en el partido por el tercer y cuarto puesto, pero sobre todo recuerdo que le ganamos a EEUU por primera vez en un partido oficial, en un campeonato. Esta segunda victoria contra el combinado americano venía a demostrar la grandísima generación que juntó Díaz-Miguel y que tuvo su mejor versión entre 1980 y 1988. Recordad que España venía de haber sido 4ª en los JJ.OO. de Moscú y 4ª en el Europeo de Checoslovaquia de 1981. Como ya he comentado, en el Mundial de Cali (sede final del Campeonato), volvió a repetir ese 4º puesto por tercera vez consecutiva. El resultado de este partido histórico fue 109 España, 99 EEUU.

1984, JJ.OO. de Los Ángeles. España viene de ser plata en el Eurobasket de Nantes del año anterior y de realizar un preolímpico magnífico donde solamente perdió con la URSS que, posteriormente, vio truncada su participación en dichos JJ.OO. al devolverles el boicot a los norteamericanos después del que ellos realizaron en Moscú. Campeonato imborrable para los que ya estamos cerca de los 50 y para los de generaciones anteriores que recordamos, perfectamente, que España y EEUU volvieron a quedar englobadas en el mismo grupo, el B, y que, por tanto, jugaron dos veces entre sí en ese campeonato. El partido de la Primera Fase se disputó el 4 de agosto de 1984 (68-101 para los de Bobby Knight) y la Final se disputó el 10 de agosto de 1984 (65-96 para el combinado liderado por Michael Jordan y Pat Ewing). Merece la pena recordar que todos los partidos se disputaron en el Forum de Inglewood, la mítica sede de los LA Lakers de los Kareem, Magic, Worthy…, y que la final fue el último partido que pudo retransmitir y comentar el siempre recordado Héctor Quiroga, fallecido en Nueva York dos semanas después de acabar los Juegos.

El siguiente enfrentamiento tuvo lugar en los siguientes JJ.OO., los de Seúl en 1988. De nuevo un enfrentamiento en Primera Fase al volver a coincidir ambas en el Grupo B. España venía de clasificarse en un Preolímpico Europeo a cara de perro donde solamente se otorgaban 3 plazas para acudir a Seúl… y dos de ellas estaba claro que iban a acabar en las manos de la URSS y Yugoslavia. Afortunadamente se ganó bien a Grecia y se perdió solamente por un punto con Italia con lo que España salió favorecida de un triple empate con esos dos equipos. El partido en la capital de Corea del Sur se disputó el 18 de septiembre de ese año 1988 y el resultado fue 53-97. España realizó una muy buena primera fase (es muy recordado el partido contra Brasil) pero se estrelló con Australia en el partido más importante de cualquier Campeonato, el de Cuartos de Final. A los Aussies le salió el partido de su vida en el tiro de tres puntos y España entró en depresión tras tener la cabeza puesta en que iba a volver a ser semifinalista en otros Juegos. Acabó octava… y EEUU fue bronce, tras caer ante la URSS en semifinales.      

Antes de abandonar este año de 1988 es menester recordar el partido que no recoge la FEB en su Historial de enfrentamientos contra EEUU. Y es lógico que no lo recoja porque fue un partido que se disputó entre el combinado norteamericano y el español, pero éstos últimos bajo la denominación de ABP, la asociación española de jugadores profesionales de baloncesto. Fue un partido amistoso disputado en el Pabellón de La Casilla de Bilbao el 25 de junio de 1988. Por tanto fue un amistoso para que los de Díaz-Miguel prepararan el Preolímpico de Holanda y EEUU venía ya con el equipo que iba a disputar los Juegos, con David Robinson al frente. El resultado final fue 87-109.

Argentina fue la sede del Mundial de Baloncesto disputado en 1990. Ambos equipos volvieron a coincidir en Primera Fase, esta vez dentro del Grupo C (el de Villa Ballester), junto a Grecia y Corea del Sur. Fue el tercer y último partido de esta Primera Fase, tras perder contra Grecia y quedar prácticamente abocados a jugar de los puestos 9 al 12 a no ser que se le ganara a EEUU… cosa que no sucedió. El resultado final fue 85-95. España acabó décima y EEUU tercera. Segundo fiasco consecutivo de los combinados universitarios que llevaba, hasta ese momento, el equipo norteamericano. Ya sabemos lo que pasó a partir de los JJ.OO. de Barcelona…

Y no en Barcelona, sino en Badalona, tuvo lugar el siguiente enfrentamiento España – EEUU. Toda la primera fase de esos JJ.OO. de 1992 se jugó en la cancha del Joventut (como anteriormente el Preolímpico Europeo) y a España le tocó jugar con el “Dream Team” en el último partido de la Primera Fase. En el sorteo de grupos se prefirió volver a coincidir con los NBA en el mismo grupo (el A), junto a Brasil, Alemania, Croacia y Angola. Estaba en los planes perder con Croacia, lo que no se contaba era con perder con Alemania en el partido de debut, pues el plan era quedar terceros de grupo tras EEUU y Croacia. Para nada… tras ganar a Brasil por solo un punto y perder con los de Petrovic y Kukoc, vino la hecatombe contra Angola. El que seguramente sea el peor partido jugado nunca por la Selección Española o al menos así ha quedado en el recuerdo colectivo. Tras ese partido… les tocó jugar con los Bird, Magic, Jordan y cía. Perdieron de 41 puntos, 81-122, y acabó 9ª en sus Juegos.     

Barcelona fue la tumba como seleccionador de Antonio Díaz-Miguel tras 27 años al frente del combinado español. Su sucesor fue Lolo Sainz, que se estrenó en el cargo con un partido amistoso contra EEUU en Castellón, disputado el 8 de junio de 1993. Una selección que, aunque venía con la denominación de primer combinado de EEUU, volvía a estar formada por jugadores universitarios. Este partido supuso la tercera victoria española frente a los norteamericanos. El resultado final fue 85-83.

Al año siguiente se volvieron a ver las caras en el Mundial de Canadá, volvieron a quedar enclavadas en el mismo Grupo (el Grupo A, esta vez junto a China y Brasil) y volvió a pasar lo mismo que en Argentina 4 años antes. España y EEUU jugaron entre sí en el primer partido de ambas en el campeonato, jugado el 4 de julio de 1994 en Hamilton, y el resultado final fue 100-115. Tras ese partido España ganó a Brasil por 10 puntos y acababa la Primera Fase contra China. Y aquí viene otro partido ignominioso. Todo el mundo recuerda el “Angolazo”, pero poca gente se acuerda del “Chinazo”… que fue similar en importancia aunque, bien es cierto, la debacle tuviera lugar en la segunda mitad del partido. Un partido totalmente encaminado que se fue al carajo en la horrenda segunda parte de los de Lolo Sainz. Sin duda alguna uno de los cinco peores partidos de la Selección Española en el último medio siglo junto al ya mencionado partido con Angola, el partido de Semifinales contra Checoslovaquia en 1985 o los partidos contra Francia en 2005 y 2014.

En 1998 se jugaron dos partidos entre ambas Selecciones. Primero jugaron un partido amistoso en Mónaco el 19 de julio de ese año, partido que es, por ahora, el único del que no existen imágenes accesibles del mismo. El resultado de dicho amistoso fue 78-95.

Cabe recordar que, para el Mundial de 1998, EEUU se vio obligada a llevar a un combinado de jugadores profesionales que jugaban en Europa debido al Lockout (Cierre Patronal) de las Franquicias de la NBA que duró desde el 1 de julio de 1998 al 20 de enero de 1999. Esta vez coincidieron en 2ª Fase, dentro del Grupo F. España llegaba invicta y EEUU solamente había perdido con Lituania en Primera Fase. El partido se disputó en Atenas el 3 de agosto, dentro de la segunda jornada de ese grupo F y fue un partido igualadísimo que, finalmente, se decantó del lado estadounidense, 73-75. EEUU acabó 3ª y España 5ª, tras tener que jugar el partido de cuartos contra los anfitriones, Grecia, y volver a caer en el partido decisivo, como venía siendo costumbre en esa época. Pasó en 1993, pasó en 1995, pasó en 1997 y volvió a pasar en este campeonato. Pero se vieron mimbres para atisbar que venían tiempos mejores.

Continúo en la segunda parte con la etapa 2000-2020.

La Primera Guerra Mundial desde el punto de vista cinematográfico (y II)

Antes de empezar esta segunda parte, que engloba las películas estrenadas entre 1965 y 2019, decir dos cosas relativas a esta lista o clasificación totalmente personal que no he comentado en la anterior entrada. La primera es evidente, estoy siguiendo un criterio cronológico en cuanto al estreno de dichas películas en cines comerciales. La segunda no lo es tanto pero es mejor que la aclare ya. He intentado, ya que es una lista amplia de 50 películas, introducir películas de varias nacionalidades diferentes, siempre que tuvieran alguna participación o relación con el conflicto bélico. Así hay 3 películas rusas o ex -soviéticas, 3 italianas, 3 alemanas, 1 austríaca, 1 turca, 1 australiana, 5 francesas y el resto británicas o estadounidenses… salvo las 3 películas españolas que ya comenté que estaban en esta lista. La razón de esta última decisión es muy sencilla, poder incorporar la visión desde un país que se mantuvo, afortunadamente, neutral en dicha guerra, aparte de ser mi país, de estar orgulloso de que no participara en esa demencial contienda, y de querer introducir una pequeña cuota de películas de factura hispana.

Dicho todo esto, continuamos nuestra lista con las siguientes 25 películas.

50 Películas de la Primera Guerra Mundial (II)

1. Doctor Zhivago (1965) (David Lean) (con Omar Sharif, Julie Christie, Rod Steiger, Tom Courtenay, Alec Guiness y Geraldine Chaplin)

La versión cinematográfica de la gran novela de Boris Pasternak (1890-1960), que describe una trágica historia de amor en el contexto de los primeros 25 o 30 años del siglo XX, se centra, sobre todo, en la Revolución Bolchevique que se inició en la parte final de la Primera Guerra Mundial, pero no hay que olvidar que Yuri es reclutado como médico de campo en el frente oriental, que durante un tiempo se une a un regimiento de voluntarios y que incluso Lara se alista como enfermera en un hospital de campaña. También refleja muy bien cómo se fueron amotinando y desertando algunos de los oficiales que formaban el ejercito zarista, para entrar a formar parte del ejército rojo. Otra joya del séptimo arte.

2. Operación Mata Hari (1968 ) (Mariano Ozores)  (España) (con José Luis López Vázquez, Gracita Morales y Antonio Ozores)

Una de las astracanadas que firmó Mariano Ozores a finales de los 60 tenía como contexto el conflicto bélico que tratamos y el mundo de los espías en particular, personalizado en la ya mencionada Mata Hari. Toda la película es un vodevil de mucho cuidado, con López Vázquez haciendo el papel de jefe de los servicios de contraespionaje del Kaiser y Gracita Morales haciendo el papel de una falsa Mata Hari que acaba capturada por los alemanes. Todo ello teniendo como telón de fondo la capital de Argelia.

3. ¡Oh, qué guerra tan bonita! (Oh! What a Lovely War, 1969) (Richard Attenborough) (con Maggie Smith, Dirk Bogarde, John Gielgud, Lawrence Olivier, Vanessa Redgrave y Jack Hawkins)

El primer, y único, musical de la lista es una comedia que supuso el debut como director del afamado actor inglés Richard Attenborough (1923-2014) y que ya había triunfado en su versión teatral unos años antes. Se refleja la guerra bajo los ojos de una familia burguesa inglesa, representante de la clase obrera británica de esos días. Evidentemente antimilitarista, deja bien clara la indiferencia de los políticos y nobles ingleses ante la muerte indiscriminada de inocentes y se atreve a sugerir cuáles eran los verdaderos objetivos que realmente se querían conseguir con esta guerra.

4. Fräulein Doktor (1969) (Alberto Lattuada) (Italia / Yugoslavia) (con Suzy Kendall y Capucine)

Otra película que trata a una de las espías más importantes de la Primera Guerra Mundial, Elsbeth Schragmüller (1887-1940), una espía alemana que fue más conocida por el apodo que dio título a la película. Pudo viajar por varios países europeos (Gran Bretaña, Alemania, Rusia o España), consiguiendo sus objetivos al coste que fuera. Uno de ellos fue poder robar la fórmula de un gas que luego se utilizó en el campo de batalla. La escena que muestra dicha utilización, como arma química, es una de las más recordadas de este film italiano.

5. Johnny cogió su Fusil (Johnny got his gun, 1971) (Dalton Trumbo) (con Timothy Bottoms, Jason Robards y Donald Sutherland)

La única película que dirigió el escritor y guionista Dalton Trumbo (1905-1976), tantos años en la lista negra del macarthismo, está basada en la novela que el propio Trumbo publicó 30 años antes. Nos muestra a un joven soldado americano, de este conflicto, dentro de un hospital, donde ha sido ingresado tras verse afectado por una explosión debida a un bombardeo. Como consecuencia de la misma se encuentra ciego, sordo, mudo, desfigurado y con todas sus extremidades amputadas.  Poco a poco va siendo consciente de su situación

6. El Barón Rojo (Von Richthofen and Brown, aka The Red Baron, 1971) (Roger Corman) (con John Phillip Law)

Otro de los grandes iconos de la Primera Guerra Mundial es el Barón Rojo, Manfred Von Richthofen (1892-1918), que ha pasado a la historia como el mejor piloto de cazas alemán de esta guerra. Un militar condecorado en numerosas ocasiones y que se supone que llegó a derribar a unos 80 aviones enemigos. La película trata su vida y su muerte a manos de un piloto canadiense llamado Roy Brown, aunque últimamente se dude de este hecho y se apunte el nombre de otro soldado. Es menester destacar que, tras su muerte, fue enterrado con todos los honores por los mismos británicos.

7. Zeppelin (1971) ( Etienne Périer) (con Michael York y Elke Sommer)

Otro de los grandes nombres de esta guerra fue el del conde Ferdinand von Zeppelin (1838-1917). Creador del medio de locomoción y transporte aéreo que llevaba su nombre y que acabó siendo utilizado también como instrumento de guerra y como bombardero. Esta película no se basa en hechos reales, como muchas de las anteriores, sino en un hipotético ataque con Zeppelines en Gran Bretaña y especialmente en Escocia. Por otra parte también se trata el caso de uno de los numerosos intentos por hacerse con los planos del dirigible alemán por parte de la red de espías británica.

8. Nicolás y Alejandra (Nicholas & Alexandra, 1971) (Franklin J. Schaffner) (con Tom Baker y Laurence Olivier)

Evidentemente, esta película intenta plasmar los últimos días de la vida del zar Nicolás II (1868-1918) y de su familia, los últimos representantes de la dinastía Romanov. También tiene un lugar preponderante el influjo del monje siberiano Grigori Rasputin (1869-1916) en la zarina, y  todos los hechos que desembocaron en la entrada de Rusia en la Guerra Europea y su posterior reconversión en Guerra Civil como la llamada “Revolución Rusa” de octubre de 1917. La película con la que Gil Parrondo (1921-2016) ganó su segundo Oscar a la mejor dirección artística, tras ganarlo también el año anterior con “Patton”.

9. Gallipoli (1981) (Peter Weir) (Australia) (con Mel Gibson)

Contribución australiana al mundo cinematográfico de la Primera Guerra Mundial contando el tremendo varapalo que supuso la Batalla de Gallipoli, en el frente turco, para las fuerzas de la Commonwealth. Desastre sin paliativos que se llevó por delante a un número muy significativo de soldados australianos y neozelandeses que se vieron involucrados en un guerra para la que ni estaban preparados, ni estaban bien dirigidos por sus oficiales, ni conocían el terreno por el que les tocó combatir. Una guerra que, en el bando turco, sirvió para convertir en héroe al que luego sería el padre de la nación turca moderna, Mustafa Kemal Atatürk (1881-1938), que actuó como mariscal de campo de las tropas otomanas.

10. Mata Hari (1985)  (Curtis Harrington) (con Sylvia Kristel)

Versión semi-erótica de la ya mencionada espía holandesa, interpretada por otra compatriota suya. Una mujer que ha pasado a la historia por ir por libre, sin pertenecer a un bando concreto (solamente a quien le pagara sus servicios) y que era capaz de sustraer, incluso, secretos nacionales a militares y estadistas de ambos bandos. Hoy en día solamente puede llevar a querer verla el que salga la actriz de “Emmanuelle” haciendo el papel principal.

11. La vida y nada más (La Vie et rien d’autre, 1989) (Bertrand Tavernier) (Francia) (con Philippe Noiret y Sabine Azéma)

Una de mis películas preferidas de esta contienda es la que firma este director francés y que estaba proyectada como la primera de una trilogía relacionada con la Primera Guerra Mundial. Desgraciadamente solamente dirigió dos, la que nos concierne y la siguiente en la lista. La acción se sitúa en 1920, casi dos años después de acabar la guerra y nos presenta a un comandante francés encargado de la identificación y búsqueda de víctimas de guerra y a dos mujeres (una dama francesa y una profesora) que buscan a sus seres queridos y que confían encontrar entre las víctimas que intenta identificar el comandante en su última misión, la de una serie de militares que acabaron sepultados dentro de un tren francés, en el interior de un túnel, debido a un ataque enemigo.

12. Capitán Conan (Capitaine Conan, 1996) (Bertrand Tavernier) (Francia) (con Philippe Torreton)

En esta ocasión la acción se traslada al frente macedonio y el protagonista es capitán de los Chasseurs alpins (Cazadores alpinos), grupo de élite francés especializado en operaciones de riesgo en las que no se tomaban prisioneros. Acabada la guerra, como tantos otros, tuvo que hacer frente a varios consejos de guerra debido a las operaciones que comandó durante la contienda y tras ella, pues la noticia del armisticio llegó bastante tiempo después al frente oriental. Digna hermana de su predecesora. Una pena que no terminara Tavernier su trilogía.

13. En el Amor y en la Guerra (In Love and War, 1996) (Richard Attenborough) (con Sandra Bullock y Chris O’Donnell)

La segunda película de la lista dirigida por Attenborough intenta relatar la relación entre Ernest Hemingway, que se alistó como conductor de ambulancias para ejercer su profesión de reportero o corresponsal de guerra, y una joven enfermera de la Cruz Roja, que se encargó de él al caer herido en una pierna durante una refriega. Un amor que pudo ser pero no fue debido a los avatares de la guerra que distanció a los amantes y que dejó un pozo de melancolía en el escritor.

14. Deathwatch (2002) (Michael J. Bassett) (con Jamie Bell y Andy Serkis)

Nos encontramos ante un hecho que todavía no se había dado en esta lista hasta ahora. Si tenemos un contexto tan dramático como el de esta guerra y una atmósfera tan opresiva como la de una trinchera, ¿ por qué no hacer una película de terror en este ambiente? Más aún si los protagonistas se ven perdidos y  atrapados en una trinchera enemiga que no conocen en absoluto y tras las líneas enemigas. El miedo, la muerte que les rodea, las ratas, el recuerdo a los caídos, actúan como una bomba de relojería en las mentes de estos infelices.

15. Largo Domingo De Noviazgo (Un Long Dimanche De Fiançailles, 2004) (Jean-Pierre Jeunet) (Francia) (con Audrey Tautou, Marion Cotillard, Dominique Pinon y Jodie Foster)

El codirector de “Delicatessen” (1991), se atrevió a realizar una película basada en la contienda que nos ocupa, poco después de realizar “Amelie” (2001) y con su misma protagonista. Una película un tanto incomprendida pero que a mí me encanta. Quizás no sea mejor valorada por el hecho de no ser un drama al uso, ni tampoco una comedia, y por llevar el sello único de Jeunet. La acción nos lleva al casi final de la guerra, cuando una joven recibe una carta anunciándole que su novio fue sometido a un consejo de guerra, junto a otros soldados. La pena no fue el fusilamiento sino que se les condenó a ser expuestos en la Tierra de Nadie, en la zona entre las trincheras de ambos bandos, lo cual suponía una muerte casi segura. A pesar de ello, la chica se embarca en intentar encontrarle porque está convencida de que está vivo. Por el camino irá descubriendo los desastres de la guerra y las consecuencias de la misma en los que la padecieron y siguen con vida.

16. Feliz Navidad (Joyeux Noël, 2005) (Christian Carion). (Francia /Alemania) (con Guillaume Canet, Daniel Brühl y Diane Kruger)

En este caso nos encontramos con cómo era posible, incluso en estas circunstancias tan aterradoras, poder tener un momento de dejarlo todo al lado y poder celebrar una Navidad (u otro momento señalado del año) sin ser acribillados por el contrario. Es más, esta historia se basa en un hecho real ocurrido en la Navidad de 1914 (al principio de la guerra) donde se estableció una especie de tregua para enterrar a los caídos, celebrar medianamente en paz la Navidad y jugar al fútbol entre los bandos rivales. El problema surge cuando, acabada la tregua, hay que volver a combatir, pero ya no contra personas desconocidas…

17. Flyboys: héroes del aire (Flyboys, 2006) (Tony Bill) (con James Franco y Jean Reno)

Otra película basada en varios de los aviadores que formaron parte del Escuadrón Lafayette que, por cierto, era un escuadrón francés pero con muchos soldados americanos voluntarios en su formación. La película trata de explicar las diferentes razones por las cuales se alistaban estos soldados y cómo llegaron a formar parte de esta escuadrilla aérea.

18. El Barón Rojo (Der rote Baron, 2008) (Nikolai Müllerschön) (Alemania) (con Joseph Fiennes, Lean Headey y Til Schweiger)

En los últimos años se ha intentado realizar una serie de películas contando las historias que ya nos había contado Hollywood, pero desde el bando contrario. En este caso es la versión alemana del mítico aviador Manfred von Richthofen. Es un biopic sobre su juventud y sus hazañas bélicas durante la guerra que le harán ser temido y respetado por sus adversarios e idolatrado por sus compatriotas.

19. Cher Ami…¡y yo! (2009) (Miquel Pujol) (animación) (España)

La única película de animación de esta lista es de factura española. Es una película creada para un público infantil y juvenil, no uno adulto, aunque se base en una de las leyendas de esta contienda bélica. Cher Ami fue una paloma mensajera utilizada por los americanos durante los años que participaron en la guerra (los dos últimos). Se ha convertido en un símbolo de esta guerra porque ayudó a salvar un Batallón americano, que se encontraba perdido, en la última ofensiva de la Guerra, la llamada Ofensiva Meuse-Argonne, que tuvo lugar en octubre de 1918.

20. Caballo De Batalla (War Horse, 2011) (Steven Spielberg) (con Emily Watson y David Thewlis)

La contribución de su director a esta Guerra, tras realizar dos de las películas más conocidas de los últimos años relativas a la 2ª Guerra Mundial, se basa en una novela juvenil ambientada en la Primera Guerra Mundial. Es la historia de amistad entre un campesino y su caballo al que sigue a la guerra tras ser el animal movilizado por el ejército inglés. Su objetivo es volver ambos a casa sanos y salvos.

21. The Silent Mountain (Der stille Berg, 2013) (Ernst Gossner) (Austria /Italia) (con William Moseley y Claudia Cardinale)

Película austríaco-italiana que nos lleva al frente alpino y en el que juegan un papel muy importante el macizo de los Dolomitas. Es una historia de amor entre un joven soldado austríaco y su amada italiana, con la que llegó a comprometerse,  a la que intentará rescatar mientras intenta escapar de las explosiones y bombardeos que se produjeron durante el combate en esas montañas.

22. The Long Way Home (Eve Dönüs: Sarikamis 1915; 2013)  (Alphan Eseli) (Turquía)

Otro punto distinto que no se había tratado anteriormente, el enfrentamiento entre el Imperio Ruso y el Imperio Otomano, teniendo como telón de fondo la Batalla de Sarıkamış, en la Anatolia Oriental. La batalla tuvo lugar del 22 de diciembre de 1914 al 17 de enero de 1915, dentro de la Campaña del Cáucaso. Una batalla que ganaron los rusos porque estaban más acostumbrados a las gélidas temperaturas en las que se desarrolló la contienda. La película intenta contar qué pasó con los soldados turcos que intentaron volver a casa después de perder esa batalla, abandonados a su propia suerte y mal preparados para soportar las bajas temperaturas de ese invierno.

23. Volverán los prados (Torneranno i prati, 2014)  (Ermanno Olmi) (Italia) (con Claudio Santamaria)

En esta ocasión la acción nos lleva a unas trincheras casi sepultadas bajo la nieve y situadas en el altiplano de Asiago, en el frente noreste italiano. Es el año 1917 y se acaban de producir una serie de enfrentamientos en las mesetas circundantes. Toda la película se desarrolla en una noche, en la que todo puede suceder y donde la paz de la montaña puede ser alterada por cualquier ataque enemigo.

24. Battalion (Батальонъ) (2015) (Dmitri Meskhiyev) (Rusia)

Otro acercamiento diferente al conflicto armado. En este caso se trata de un batallón ruso formado exclusivamente por mujeres y que entran en la guerra en febrero de 1917, tras la abdicación del Zar Nicolás II. Fue una orden expresa del Gobierno provisional ruso con el objetivo de reforzar la moral de las tropas. Se las denominó “El Batallón de la Muerte” femenino. Todo ello bajo el creciente aumento de poder de los bolcheviques dentro de los diferentes batallones del ejército zarista.

25. 1917 (2019) (Sam Mendes) (con Mark Strong, Andrew Scott, Colin Firth y Benedict Cumberbatch)

La última película, por ahora, que ha tratado el conflicto armado que se produjo entre 1914 y 1918, es esta película británica que, en sí misma, es una proeza técnica y visual. Película concebida como un falso plano secuencia de casi dos horas de duración (se cortaba en determinados puntos donde se hace un fundido a negro o al entrar en el interior de determinados lugares), también se ve auxiliado por una serie de efectos digitales que ayudan a crear la sensación de que no se corta la grabación en ningún momento. La historia es muy sencilla, el alto mando británico les da la orden a dos soldados de llevar un mensaje a primera línea de fuego, donde se está preparando un avance de sus tropas, al producirse una retirada de las tropas enemigas. La mensaje consiste en la orden de impedir ese avance porque es una trampa orquestada por el alto mando enemigo…. Y en esas tropas se encuentra el hermano mayor de uno de esos soldados que van a actuar como correo. Fantástica película de arriba abajo, desde el guión a la fotografía, desde su banda sonora al diseño de producción.

Como veis han salido 50 películas y no son las únicas. Claro está, si comparas el número de películas que se han producido con respecto a las que se han estrenado relativas a la 2ª Guerra Mundial, la cifra es infinitamente menor. Por eso también me gusta recalcar el que en este “pequeño” número de películas haya muchas de una calidad excelente o con la categoría de obra maestra. Esto indica que la calidad media de estas películas, o al menos a mí me lo da a entender, es bastante mayor que las relacionadas con la guerra subsiguiente.  En fin, ésta ha sido mi modesta contribución sobre la contienda que acabó hace algo más de un siglo y que sigue teniendo sus consecuencias hoy en día. Espero que os haya gustado la selección y mi opinión sobre estas películas y sobre el conflicto armado.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La Primera Guerra Mundial desde el punto de vista cinematográfico (I)

Hace algo más de 6 años, en concreto el 4 de marzo de 2014, os propuse una lista de 40 películas que se desarrollaban, trataban o estaban influenciadas por el conflicto bélico que se desarrolló entre 1914 y 1918. (Enlace: https://elgabinetedelparnaso.wordpress.com/2014/03/04/40-peliculas-que-recrean-la-primera-guerra-mundial/).

Ya os dejé claro que me gusta leer, analizar e investigar todo lo relacionado con este primer enfrentamiento global que, aunque empezó en Europa, se fue extendiendo hasta otras zonas del planeta. Y este apasionamiento también es un acto de reivindicación ante una terrible guerra que ha quedado, desgraciadamente, oscurecida por todo lo acaecido durante la Segunda Guerra Mundial. Fijaos que, en ese 2014, yo intenté recordaros que se cumplía un siglo del comienzo de esa contienda armada y que era un buen momento para ir descubriendo nuevos hechos y para ir resolviendo el tremendo puzle que conforma dicha guerra. Pasó el 2014, sin pena ni gloria, y pasó el 2018 de la misma manera o peor aún, porque se le dio menos repercusión informativa al hecho del centenario de la finalización de la contienda.

En su momento ya os dejé claro que la mayor consecuencia de dicha guerra fue la desaparición de grandes imperios que se fragmentaron y dieron lugar, en parte, al actual mapa político que seguimos teniendo actualmente. Tened en cuenta que la descomposición del Imperio Austrohúngaro trajo consigo el nacimiento, como países reconocidos, de Austria, Hungría, Rumanía, Bulgaria o las antiguas Checoslovaquia y Yugoslavia. Igual se puede decir del Imperio Otomano, el Imperio Ruso de los Zares o  el Alemán del Káiser Guillermo II.

La realización de esta pequeña referencia a las películas que han tratado el conflicto armado de la segunda década del siglo XX, tiene mucho que ver con la aparición, justo al principio de este año, de la película “1917” del director inglés Sam Mendes (1965-). Película que, en mi opinión, considero la mejor película del pasado año, pues se estrenó a finales de 2019 en varios festivales para poder optar a los últimos premios Oscar. Dicho lo cual me ha servido de base para revisar esa lista que confeccioné hace 6 años, actualizarla (porque hay películas que incluía y que no debían de estar realmente) y ampliarla hasta 50, incluyendo algunas de las últimas muestras que nos ha dado el mundo cinematográfico en esta última década, sin duda influenciadas por el hecho de que ya ha pasado un siglo desde que tuvo lugar el conflicto armado que nos ocupa.

He querido hacerlo en dos partes para que no salga una entrada demasiado larga, ya que voy a intentar hacer una pequeña reseña de cada película que he escogido, aparte de recordarlas con su cartel promocional y un pequeño extracto o el tráiler de las mismas.

50 Películas de la Primera Guerra Mundial (I)

1. Armas Al Hombro (Shoulder Arms, 1918) (Charles Chaplin)

Obra maestra sin paliativos, aún siendo un mediometraje (dura unos 45 minutos), donde Chaplin trata el tema de la Gran Guerra durante el transcurso de la misma, pues fue rodada y estrenada antes de su finalización y de la firma del armisticio en Compiègne, el 11 de noviembre de 1918. Chaplin volvió a hacer lo mismo durante la Segunda Guerra Mundial, dando lugar a “El Gran Dictador” (The Great Dictator), de 1940.

2. Los 4 jinetes del Apocalipsis (The 4 Horsemen of the Apocalypse, 1921) (Rex Ingram) (con Rodolfo Valentino y Wallace Beery)

Película basada en la famosa novela del valenciano Vicente Blasco Ibañez (1867-1928) y donde sobresalía la figura de Rodolfo Valentino (1895-1926) en el papel de Julio Desnoyers. Esta película, con todas las licencias que siempre se toma Hollywood, sigue la novela de Blasco tratando la familia de Julio Madariaga desde su hacienda argentina hasta el conflicto europeo. La versión que realizó Vincente Minnelli en 1962 no puede formar parte de esta lista pues traslada los hechos a la Segunda Guerra Mundial y al nacimiento del nazismo.

3. El Gran Desfile (The Big Parade, 1925)  (King Vidor) (con John Gilbert)

Una de las mejores películas de la década de los 20 y una de las mejores de su director. Una película que ha influenciado a muchas otras películas bélicas posteriores que trataban el hecho de alistarse en el ejército para combatir en una guerra que se desarrolla en el otro confín de la Tierra, sin tener ni idea de dónde te encuentras, a qué te enfrentas o por qué te has involucrado en el conflicto.

4. Alas (Wings, 1927) (William A. Wellman) (con Clara Bow y Gary Cooper)

La primera ganadora del Oscar a la mejor película, en su primera edición, fue este melodrama bélico creado para mayor lucimiento de su estrella femenina y donde se desarrollan, posiblemente, las primeras escenas de combate aéreo que se filmaron en una película comercial. Sigue siendo de obligado visionado.

5. El séptimo cielo (7th Heaven, 1927)  (Frank Borzage) (con Janet Gaynor)

Una historia de amor, contra todos y contra todo, dentro del contexto del comienzo del conflicto bélico que marca la separación de los enamorados protagonistas. Papel importante que le valió el primer Oscar de la Academia a su intérprete femenina, premio que compartió con el Oscar que también recibió  su director.

6. El fin de San Petersburgo (Конец Санкт-Петербурга ) 1927 Vsevolod Pudovkin (URSS)

Junto con “La Madre” y “Tempestad sobre Asia”, esta película contribuyó a situar a Pudovkin dentro del Olimpo de los cineastas rusos de la primera mitad del siglo XX. Se centra más en el nacimiento del movimiento bolchevique pero no se puede obviar que su protagonista debe luchar en el ejército zarista durante la Primera Guerra Mundial como pena o castigo por ser arrestado durante una pelea.

7. Sin Novedad En El Frente (All Quiet on the Western Front , 1930) (Lewis Milestone) (con Lew Ayres)

La primera película sonora de la lista es otra obra maestra sin paliativos y una de las primeras películas antibelicistas de la historia. Todo desde el punto de vista de unos jóvenes que se alistan en el ejército alemán del Kaiser. Es capaz de mostrar el cambio radical de la ilusión del alistamiento a la decepción, al miedo e incluso al rencor que sufren ese grupo de jóvenes al enfrentarse en una guerra sin sentido. Oscar al mejor director y a la mejor película en 1930.

8. Los ángeles del Infierno (Hells’s Angels, 1930) (Howard Hugues y otros) (con Jean Harlow)

La película más cara de su época (y durante bastante tiempo), creada por el empeño y la fortuna de su director principal, el multimillonario Howard Hugues, que se vio auxiliado por Edmund Goulding y James Whale para poder terminar esta película que ha dejado para la historia alguna de las mejores secuencias de combate aéreo que se han podido filmar. De imprescindible visionado si has visto anteriormente la película de Martin Scorsese, “El Aviador” (The Aviator, 2004), donde Leonardo DiCaprio interpreta a Hugues.

9. Cuatro de infantería (Westfront 1918. Vier von der Infanterie) (1930) (Georg Wilhelm Pabst) (Alemania)

Casualmente, mientras en Hollywood se rodaba “Sin novedad en el frente”, en Alemania se rodaba esta película que comparte con la americana su espíritu antibelicista. De hecho yo recomendaría verlas en una sesión doble porque representan un acercamiento muy significativo a lo que fue el conflicto en el frente occidental de la guerra. Película dirigida por Pabst en su mejor etapa fílmica, entre “La caja de Pandora” (Büchse der Pandora) y “Tres páginas de un diario” (Tagebuch einer Verlorenen), ambas de 1929, y “Don Quijote” (Don Quichotte), de 1933 y un año antes de llevar al cine la obra de Bertold Brecht y Kurt Weill, La ópera de los tres centavos (Die Dreigroschenoper), de 1931.

10. Mata Hari (1931) (George Fitzmaurice ) (con Greta Garbo, Ramón Novarro y Lionel Barrymore)

El, posiblemente, primer acercamiento fílmico a la figura de la holandesa Margaretha Geertruida Zelle (1876-1917), la espía más famosa del siglo XX y una de los nombres clave cuando se quiere hacer mención a este conflicto armado. Sin lugar a dudas, uno de los papeles más recordados de su intérprete femenina que le valió a la sueca ser considerada una de las mejores actrices de la década de los años 30.

11. El puente de Waterloo (Waterloo Bridge,1931) (James Whale) (con Mae Clarke y Bette Davis)

Dos meses antes de que se estrenara su “Frankenstein”, James Whale también llevó a los cines su acercamiento al conflicto bélico y a la Inglaterra de esos días. Película poco conocida que tuvo un remake en 1940, mucho más conocido, con Vivien Leigh y Robert Taylor, pero que trasladaba la acción a la Segunda Guerra Mundial.

12. Adiós A Las Armas (A Farewell to arms, 1932) (Frank Borzage) (con Gary Cooper y Adolphe Menjou)

Película basada en la novela casi autobiográfica de Ernest Hemingway (1899-1961), con una historia de amor entre un conductor de ambulancia americano y una enfermera inglesa en la Italia de la guerra. Una de las películas más recordadas de su actor principal y que también tuvo un Remake, en color, en 1957, dirigido por Charles Vidor e interpretado por Rock Hudson, Jennifer Jones y Vittorio de Sica. En este caso os dejo los carteles y tráiler de las dos películas.

13. La Patrulla perdida (The Lost Patrol, 1934) (John Ford) (con Boris Karloff , Victor McLaglen y Wallace Ford)

Una de las películas menos conocidas de su director, porque no es un Western, rodada un año antes de su obra maestra “El Delator” (The Informer). En esta ocasión la acción se sitúa en un desierto de Oriente Próximo, como en el caso de “Lawrence de Arabia” que saldrá posteriormente, donde una patrulla inglesa se tiene que refugiar en un oasis al ser atacados y morir el oficial que comandaba el destacamento. Es un remake de una película muda inglesa de 1929.

14. La Gran Ilusión (La Grande Illusion, 1937) (Jean Renoir) (Francia) (con Jean Gabin y Erich von Stroheim)

Otra obra maestra sin paliativos y una de las películas más valoradas de su director. Censurada en Alemania por el gobierno nazi (o sea por Goebbels), fue una de las causantes del exilio americano de Renoir tras la invasión de Francia por el ejército alemán. Trata muchos temas importantes que deben tenerse en cuenta cuando se quiere uno referir a este conflicto armado, los códigos de honor decimonónicos, el respeto por los prisioneros dentro de los campos de concentración, la diferencia de clases entre los distintos soldados de ambos bandos, sin olvidar la crueldad y el sinsentido de la guerra. Una de las mejores películas de todos los tiempos sin duda.

15. El Sargento York (Sergeant York, 1941) (Howard Hawks) (con Gary Cooper y Walter Brennan)

Este famoso Biopic, sobre uno de los soldados americanos más condecorados durante la Primera Guerra Mundial, acabó en manos de uno de los mejores directores de todos los tiempos y supuso uno de los papeles de su vida para Cooper, pues consiguió el Oscar por su interpretación de este granjero del sur de los EEUU que acaba convirtiéndose en héroe a su pesar. La película es, en bastante medida, una modelo de autoafirmación de la sociedad americana en el caso de que los EEUU tuvieran que entrar en combate, como finalmente sucedió unos meses después.

16. Niebla en el Pasado (Random Harvest, 1942) Mervyn LeRoy (con Ronald Colman y Greer Garson)

Una película que habla de la guerra después de la guerra, de las consecuencias que dejó entre los que tuvieron la desgracia de participar en ella y que les marcó de por vida. La película narra el hecho de un oficial británico que perdió la memoria como consecuencia de un ataque con gas a la trinchera de su destacamento y que es confinado en un manicomio como “John Smith”, el nombre que los ingleses suelen dar a los no identificados. Hace mucho que la vi y tengo interés en rescatarla.

17. La Reina de África (The African Queen, 1951) (John Huston) (con Katherine Hepburn y Humphrey Bogart)

Aquí hemos pegado un salto de 9 años, consecuencia de que se seguían haciendo películas bélicas pero casi todas relacionadas con el conflicto que acababa de terminar solamente 6 años antes. Quizás os lleve a confusión incluirla en esta lista pero el trasfondo de la guerra está en toda ella.  Aunque la película tenga lugar en África, se deja claro que es en una de las colonias del África Oriental Alemán, lo que actualmente es territorio de países como Burundi, Ruanda, Tanganica o Tanzania. Poco más debo añadir a una de las mejores películas de aventuras y a una de las mejores que rodó su enorme director.

18. El precio de la gloria (What Price Glory, 1952) (John Ford) (con James Cagney)

La segunda “comedia” de esta lista, tras la de Chaplin, volvió a recaer en las manos del más famoso director de Western, demostrando su versatilidad para tratar todo tipo de películas y no solamente las mencionadas o las que tengan relación con su adorada Irlanda. Una película poco conocida que empieza con una disputa entre oficiales por una mujer, la tabernera del pueblo donde están destacados, y que acaba olvidándose después de que son llamados a primera línea de fuego.

19. Senderos De Gloria (Paths of Glory, 1957) (Stanley Kubrick) (con Kirk Douglas y Adolphe Menjou)

Posiblemente una de las tres mejores películas que han mostrado, con toda su crueldad, el sinsentido y el disparate que supuso el conflicto bélico que estamos tratando. Película antibélica por antonomasia, censurada en varios países por su mensaje antimilitarista, y que en España no se pudo ver hasta la caída del régimen franquista. Con unas interpretaciones memorables de sus dos protagonistas, un guión medido hasta el extremo, una fotografía magnífica en blanco y negro y una dirección que ya dejaba claro quién iba a ser Kubrick.

20. El Don apacible (Тихий Дон, 1957) (Sergei Gerasimov) (URSS)

Siempre incluida en todas las listas sobre las mejores novelas rusas del siglo XX, la que da título a la película, escrita por Mikhail Sholokhov (1905-1984), tuvo su versión fílmica en 1957 como una de esas películas-río que tanto gustaban en la antigua URSS. En sus casi 6 horas de duración intenta plasmar la vida de unos cosacos que viven junto al río Don y que tienen que sufrir el tener que participar en la Primera Guerra Mundial y, posteriormente, en la Revolución bolchevique que se llevó por delante el Imperio del Zar Nicolás II (1868-1918).

21. La escuadrilla Lafayette (Lafayette  Escadrille,1958)  (William A. Wellman) (con Tab Hunter y Clint Eastwood)

La última película que le dejaron filmar al prolífico y siempre correcto director William A. Wellman fue esta película a mayor gloria del escuadrón aéreo más famoso de los que EEUU trajo para combatir en esta guerra. Una película que recuerdo haber visto de niño y que actualmente es casi imposible de ver salvo en determinados ciclos organizados por filmotecas. Rodada en blanco y negro, hoy en día quizás sea atrayente por ser uno de los primeros papeles en el cine de Clint Eastwood.

22. La Gran Guerra (La Grande Guerra, 1959) (Mario Monicelli) (Italia) (con Alberto Sordi, Vittorio Gassman y Silvana Mangano)

Unánimemente declarada como una de las mejores películas italianas de la historia, esta tragicomedia de uno de los padres de la comedia italiana se filmó en su etapa más fructífera y recordada. Solamente es necesario mencionar que venía de firmar otra de sus mejores películas (y una de mis comedias favoritas) llamada en su lengua “I Soliti Ignoti” y que en España recibió el fantástico nombre de “Rufufú” (1958). En este caso la acción nos lleva al frente italiano, cerca del río Piave, donde tuvo lugar una de las batallas quizás no tan recordadas de este conflicto, pero que también tuvieron un papel primordial en el transcurso de la guerra.

23. Lawrence De Arabia (L. of A., 1962) (David Lean) (con Peter O’Toole, Omar Sharif, Anthony Quinn, Alec Guinness, Claude Rains, Jack Hawkins y José Ferrer)

¿Qué puedo decir de esta película que no se haya contado antes?, poco la verdad. Si acaso ponerla en el contexto de la guerra y recordar que el alto mando británico tenía su sede en El Cairo y la misión de Lawrence era intentar unificar a todas las diferentes tribus y pueblos árabes para poder vencer a los turcos en su guarnición, situada en el puerto de Aqaba, en la actual Jordania. Un punto clave del frente contra el ejército otomano (pues esa ciudad controlaba el Golfo de Aqaba) y que cayó gracias a un ataque conjunto tras cruzar el desierto de Nefud. Inconmensurable.

24. La reina del Chantecler (1962) (Rafael Gil) (España) (con Sara Montiel)

La primera película española que he querido añadir a esta lista (ya anticipo que van a ser tres) es esta película hecha a medida para la simpar Sara Montiel y que dibuja otra de las variantes que todavía no habíamos tratado en las películas anteriores; cómo España se convirtió en un punto estratégico para los servicios secretos de todos los países en conflicto por el hecho de ser un país neutral. De hecho a la protagonista se le intenta convencer para que actúe como espía para los franceses, e incluso llega aparecer la mismísima Mata Hari en la película, cosa que realmente sucedió pues España fue uno de los lugares donde más libertad de movimientos encontró.

25. Rey y Patria (King & Country, 1964) (Joseph Losey) (con Dirk Bogarde y Tom Courtenay)

Esta película nos lleva a la Tercera Batalla de Ypres, también conocida como la Batalla de Passchendaele, entre junio y noviembre de 1917. En una de las trincheras británicas se juzga a un soldado por traición. El soldado resulta ser el único superviviente de su destacamento en una de los enfrentamientos con el bando contrario. Al verse en esa situación, y totalmente fuera de sí, decide emprender “camino de casa”, momento en el cual es detenido por la policía militar británica. El capitán encargado de su defensa está convencido de que el soldado ha sufrido un Shock o lo que se conoce como la «Neurosis de Guerra», pero debe convencer al Consejo de Guerra.

 

Continúo en la Segunda Parte con las siguientes 25 películas.

 

 

Ennio Morricone y su Música Absoluta

La noche del domingo al lunes 6 de julio falleció el músico, compositor y director de orquesta italiano Ennio Morricone (1928-2020). Según parece fue debido a las complicaciones sufridas a partir de una caída, unos días antes, y que terminaron de debilitar la ya de por sí frágil salud de una persona de más de 91 años (habría cumplido los 92 el 10 de noviembre, pocos días después de haber sido galardonado con el Premio Princesa de Asturias de las Artes, que debía compartir con su colega americano John Williams (1932-)).

Este pequeño memorial a su figura va a intentar explicar la parte de su obra que, quizás, sea más desconocida por el gran público pero que merece ser mostrada en su justa medida y como espejo de su grandísimo corpus de música para cine, televisión, teatro y radio, que abarca más de 500 partituras firmadas por Morricone.

Y es que, aparte de esta inmensa producción, Morricone también fue arreglista de música ligera italiana entre mediados de los 50 y los 60, colaboró con una gran cantidad de artistas y, lo que quiero traer a colación hoy, firmó casi un centenar de obras de concierto, entre obras instrumentales, de cámara, orquestales, corales, concertísticas e incluso una ópera de cámara. Pero antes de mostrar algunas de esas obras quiero hablar de la etapa formativa del romano eterno.

Y es que sí, nació y murió en Roma, dentro de una familia formada por su padre Mario Morricone (trompetista en diversas orquestas de la capital italiana), su madre Libera Ridolfi (propietaria de una tienda de ropa) y sus tres hermanas, Adriana, Maria y Franca. Comenzó a tocar el instrumento de su padre a corta edad (según parece ya a los 6 años), y a los 9 su padre le inscribe en la Academia Nacional de Santa Cecilia. Tres años después accedería (con 12 años) al Conservatorio de dicha institución. A todo esto, no hay que olvidar que esta etapa la realiza durante la guerra (cosa que le marcará de por vida) y que su diploma en trompeta lo recibe ya una vez acabada, en 1946.

A partir de ese momento empieza a trabajar como trompetista en varias orquestas romanas, para ganarse el sueldo y para seguir financiando su formación pues también acabó diplomándose en instrumentación para banda en 1952 y en composición en 1954, ésta última como alumno de Goffredo Petrassi (1904-2003), uno de los mejores compositores italianos del s.XX, a lo que hay que añadir su faceta de pedagogo y  maestro de infinidad de músicos y compositores que se formaron bajo su tutela.

Por tanto, la etapa formativa de Morricone debe establecerse como definitiva a mediados de 1954 (aunque también hiciera cursos de música coral y dirección de coro). Poco después de acabar empieza su colaboración con el mundo del cine, por una parte (como compositor de música adicional para películas, en las que no salía acreditado, y como arreglista de las bandas sonoras de otros autores) y también, en 1955, comienza su colaboración con el sello RCA italiano, en la que trabaja como arreglista y orquestador de canciones de música ligera, entre ellas de Paul Anka, de Gino Paoli, de Mina…

Esta colaboración con RCA durará aproximadamente 10 años, incluso cuando ya Morricone estaba reconocido como uno de los grandes valores de la música para películas. De hecho, la primera Banda Sonora firmada por él es de 1960, época en la que también trabaja realizando música incidental para obras  de Teatro y de Radio.

Esta etapa de los 50 debe quedar completa citando que Ennio se casa con su mujer, María Travia, en 1956. Maria ha sido siempre un apoyo fundamental de Morricone, aparte de ser la letrista de varias de sus canciones (por ejemplo, los textos latinos de La Misión) y ser la madre de sus cuatro hijos: Marco (1957), Alessandra (1961), Andrea (1964, también compositor de BSOs y director de orquesta), y por último Giovanni Morricone (1966, director de cine).

Con todo este bagaje a sus espaldas comienza Morricone su carrera en la música de cine, pero también se vio ayudada por otra decisión del romano. En 1964 entra a formar parte del “Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza”, una agrupación de compositores que se juntaron de la mano de Franco Evangelisti (1926-1980), para realizar música de vanguardia basada en la improvisación libre. Por tanto fue una decisión que buscaba investigar y buscar nuevos métodos musicales para poder trasladarlos a su otros trabajos. Entre 1966 y 1976 esta agrupación llegó a publicar 7 discos, cuyos títulos dejaré al final de esta entrada.

Dicho lo cual, nos centramos en su MÚSICA ABSOLUTA, término con el que él denominaba a su obra de concierto, a su obra más académica y, ciertamente, más compleja y diversa. Estamos hablando de alrededor de unas cien obras fechadas entre 1946 (cuando acaba sus estudios de trompeta) y 2017, fecha en la que da por finalizada su producción, si no estoy equivocado.

Esta producción debe encuadrarse en una serie de etapas. La primera sería la etapa de formación, entre 1946 y 1953, etapa de producción juvenil que consiste, básicamente en un puñado de canciones y de piezas para piano, que permanecen inéditas. A esta etapa le sigue la que va de 1954 a 1960. Entre las obras que escribe en esta época es conveniente destacar las siguientes:

• Musica (piano y orq. cuerda) 1954
• Sonata (metales, piano y timbales) 1954
• Variaciones sobre un tema de Frescobaldi (piano) 1955 (u orq. de camara)
• Cantata (coro y orchestra, texto Cesare Pavese) 1955
• Sexteto (fl., ob., fagot, violin, viola y chelo) 1955
• Trio (cl., trompa y chelo) 1955-56
• Invenzione, canone e ricercare (p.) 1956
• 12 Variaciones (oboe d’amore, chelo y piano) 1956
• 4 Pezzi (gu.) (1957),
• Concierto para orquesta (nº1) 1957
• 3 Studi (fl., cl. y fagot) 1957-58
• Distanze (1958) (vl., chelo y p.)

La tercera etapa es la que ocupa más años, casi dos décadas. Dos décadas en las que Ennio vive, prácticamente, centrado en su obra fílmica y en la que firma más de la mitad de las 500 bandas sonoras de su catálogo. Entre las obras que realiza en esta época se deben destacar las siguientes:

• Suoni per Dino (viola + 2 cintas) 1969
• Meditazione orale recitador y grupo   1970 (texto y rapsoda Pier Paolo Pasolini
• Da molto lontano (voz y 5 inst.) 1969
• Caput coctu show (barítono y 8 instr.) 1969-70
• Proibito  (8 trompetas) 1972
• Totem (grupo de fagots y 1 perc.) 1974
• 3 pezzi brevi (cl., viola, contrabajo y clave/p.) 1978  (variaciones sobre un tema de Schubert)
• Immobile (coro y 4 cl.) 1978
• Bambini del mondo 18 coros de niños 1978-79
• Grande violino, piccolo bambino (coro, electrónica orquesta de cuerda)   1979
• Gestazione (voz femenina e instrumentos más sonidos electrónicos y una orquesta de cuerda ad lib) 1980

La cuarta etapa es la de los años 80, en los que retoma con más asiduidad la composición de obras de concierto. Entre las obras de esta década debemos destacar:

• Totem secondo (5 fagots y 2 contrafagots) 1981
• 2 Poesie notturne (voz, cuarteto de cuerdas y guitarra) 1982
• 2º Concerto (para flauta, chelo y orq.) 1984–85
• Frammenti di Eros (Cantata para soprano, p. y orq. , texto de Sergio Miceli) 1985
• Rag in frantumi piano  1986
• Il rotondo silenzio della notte (voz femenina y 8 instr.) 1986
• Cadenza (fl. y cinta) 1988 (del 2ª concierto 1985)
• Fluidi (10 instrumentos) 1988 2ª version pour 8 voix et quatuor à cordes, 2000
• Echi (coro y chelo ad libitum) 1988
• Cantata per L’Europa (soprano, 2 recitantes, coro y orq.) 1988
• 4 Estudios (piano) 1983–89
• Studio (contrabajo) 1989
• Riflessi (chelo) 1989–90 (o 1995-96?)
• 4 Anamorfosi latine (4 voces solistas y orquesta de cámara) 1990

La quinta etapa es la más fecunda dentro de la producción de E.M. y abarca la década de los 90. Entre las obras de esta época es menester destacar las siguientes:

• Concierto nº3 para guitarra, marimba y orq. de cuerda 1990–91
• UT (trompeta, perc. y orq. de cuerda) 1991
• Una via crucis 1991–93 (en varias combinaciones vocales e instrumentales),  / Michele Dall’Ongaro and Egisto Macchi)
• Esercizi (orq. de cuerda) 1992/93 (son 2)
• Concierto nº4 – Hoc erat in votis (org., 2 trompetas, 2 trombones y orq.) 1993
• Vidi aquam (id est benacum) (soprano y pequeña orq.) 1993
• Braevissimo I-III (contrabajo y orq. de cuerdas) 1993-94
• Reti (grupo de viento) (1994)
• Canone breve (3 gu.) 1994 (hay un arr. hecho por otro para gu. sola)
• Iter (clarinete & cuerdas)   (1995)
• Parténope, Musica per le sirene di Napoli, ópera (voces, coro de mujeres, orq. y electr.) 1995-96 (no estrenada)
• Lemma (2 clarinetes y 2 pianos) (/su hijo Andrea) 1995/1996
• Ipotesi, y  p. (1995-96)
• Traccia, y  p.  (1995-96)
• A L.P 1928 (cuarteto de cuerdas) 1995/1996
• Scherzo (violín y piano) 1996
• 4 Anacoluti per A.V (orq. de cuerda) 1997
• Scie (viola, vibráfono & cinta) (1997) (/ Andrea)
• Ombra di lontana presenza (viola, orq. de cuerda y cinta) 1997
• Grido (voz, orq. de cuerda y cinta) 1998 (2000 soprano y orq.)
• Inversi (voz & grupo) (1998)
• Il pane spezzato (coro, instrumentos y orq. de cuerda)   1998/99 (2 canciones)
• Per i bambini morti di mafia (2 voces, 6 instrumentos y 2 recitadores leyendo un texto de Luciano Violente) 1999

Y por último la etapa que cubre su producción durante el siglo XXI, del 2000 al 2020. Entre las obras que ha escrito Ennio en estos últimos 20 años deben destacarse las siguientes:

• 5º Studio (Catalogo) (2000) p.
• Vivo 2000/01 (violín, viola y chelo)
• Metamorfosi di Violetta 2001 (cl. y cuarteto de cuerda) (o quinteto de cuerda)
• Se questo è un uomo (soprano, violín, orq. de cuerda y recitador leyendo textos de Primo Levi) 2001
• Voci dal silenzio (voz, voces grabadas, coro y orq.) 2002 (a las víctimas del 11 S y de todos los conflictos bélicos)
• Oratorio per Padre Pio 2003  o Cantata Narrazione per Padre Pio    coro y orq.
• Come un’Onda (chelo solo o duo de chelos) 2003-04    (vers. Cl. bajo 2005)
• Variazione breve (da Bach a Mozart) (fl., cl., vl., chelo, p. y vibráfono)   2006
• Il Nulla divino (voz y orq.) 2007
• Icaro Secondo (orq.) 2008
• Vuoto d’anima piena, cantata , coro y orq.  2008 (para el milenario de la Basilica di San Vicinio de Sarsina)
• Ostinato ricercare per un’immagine (orq.) 2010 del doc. de Tornatore ‘L’Ultimo Gattopardo’
• Roma (Pensando al ‘Ricercare cromatico’ di Girolamo Frescobaldi) (narrador, soprano y grupo)
• Elegia Per L’Italia, Omaggio al Presidente della Repubblica (coro y orq.) (2010-11)
• Totem n. 3 (Segnali) (2011) fagot y piano
• Arcate di archi e bambini (coro de niños y orq.)
• La voce dei sommersi (voces y electr.)  (a los inmigrantes muertos en la tragedia de Lampedusa) 2013
• I Vangeli , una representación sacra (2 voces recitando y cinta) 2013
• Missa Papae Francisci (solistas, coro, orq. y órg.) 2014
• Varianti per Ballista, Antonio e Canino, Bruno (2 p. y orq.), 2016

Como habréis podido comprobar, la paleta musical que utiliza Morricone en estas obras es, en muchas ocasiones, diametralmente opuesta a la de sus obras más populares. Ahí está el mérito, la valía y la gran versatilidad de este compositor que queda ya incluido dentro de uno de los mejores compositores de la segunda mitad del siglo XX, si no lo estaba ya. No voy a intentar explicar ahora la cantidad de galardones que ha recibido su música entre premios y nominaciones a diferentes premios de la música (Oscar, Globos de Oro, BAFTA británicos, David de Donatello italianos…). Para eso siempre podéis consultar la Wikipedia o la Base de Datos de Películas, IMDB. Pero sí que os diré que, aparte de tener una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, también se le puso nombre a un asteroide con su apellido, el 152188 Morricone.

 Espero que os haya gustado esta entrada y os dejo con un enlace al catálogo de las obras de Ennio, así como el listado de los discos que publicó junto con el G.I.N.C.

Obras

www.chimai.com   The Ennio Morricone Online Community

 

Gruppo di Improvvisazione di Nuova Consonanza (G.I.N.C.), álbumes:

 

• Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza (1966)
• The Private Sea of Dreams (1967)
• Improvisationen (1968),
• The Feed-back (1970)
• Improvvisazioni a Formazioni Variate (1973)
• Nuova Consonanza (1975)
• Musica su Schemi (1976)

 

DIES IRAE: 800 años de éxitos

Con este título, homenaje nada encubierto al primer disco de Los Toreros Muertos, vengo hoy a tratar un tema apasionante. ¿Cómo es posible que una obra escrita hace casi 800 años siga teniendo una actualidad incuestionable y haya sido una referencia a los largos de todos estos siglos?

Es un tema que quiero tratar en su justa medida, mostrando cómo ha ido evolucionando el uso del texto, y la melodía creada para él en época gregoriana, hasta nuestros días. Por ello es mejor empezar desde el principio.

DIES IRAE, significa en latín “El día de la Ira”, referencia nada encubierta al día del Juicio Final. Según parece fue creado dentro de la orden franciscana por un monje italiano que fue biógrafo de San Francisco de Asís. Me refiero a Tomás de Celano (c.1200-c.1260), aunque se ha propuesto el nombre de otros autores como posibles creadores de este himno latino.

Lo que sí parece claro es que se empezó a utilizar a mediados del siglo XIII pues el manuscrito más antiguo que se conserva, donde aparece este himno, se encuentra en la Biblioteca Nacional de Nápoles y ha sido fechado en esa época. Por otra parte se considera el poema más representativo del latín medieval y se incorporó a la liturgia del rito romano a partir del s. XIV, dentro de las Misas de Réquiem.

En el s. XVI fue confirmado por el Concilio de Trento (1545-63) como parte intrínseca de la Misa de Difuntos y así perduró hasta que el Concilio Vaticano II lo apartó de la liturgia funeraria en 1970.

Bien, vamos a ver qué dice este himno latino y luego lo engarzaremos con su uso en las Misas y Oficios de Difuntos. Destacar que, en todo momento, se habla del Juicio Final y es menester destacar que, nada más empezar, se hace referencia al profeta David y a la Sibila, como anunciadores del final de los tiempos. El texto en latín, y su traducción en castellano, es éste:

 

Dies iræ, dies illa,

Solvet sæclum in favilla,

Teste David cum Sibylla!

 

Quantus tremor est futurus,

quando iudex est venturus,

cuncta stricte discussurus!

 

Tuba mirum spargens sonum

per sepulcra regionum,

coget omnes ante thronum.

 

Mors stupebit et Natura,

cum resurget creatura,

iudicanti responsura.

 

Liber scriptus proferetur,

in quo totum continetur,

unde Mundus iudicetur.

 

Iudex ergo cum sedebit,

quidquid latet apparebit,

nihil inultum remanebit.

 

Quid sum miser tunc dicturus?

Quem patronum rogaturus,

cum vix iustus sit securus?

 

Rex tremendæ maiestatis,

qui salvandos salvas gratis,

salva me, fons pietatis.

 

Recordare, Iesu pie,

quod sum causa tuæ viæ;

ne me perdas illa die.

 

Quærens me, sedisti lassus,

redemisti crucem passus,

tantus labor non sit cassus.

 

Iuste Iudex ultionis,

donum fac remissionis

ante diem rationis.

 

Ingemisco, tamquam reus,

culpa rubet vultus meus,

supplicanti parce Deus.

 

Qui Mariam absolvisti,

et latronem exaudisti,

mihi quoque spem dedisti.

 

Preces meæ non sunt dignæ,

sed tu bonus fac benigne,

ne perenni cremer igne.

 

Inter oves locum præsta,

et ab hædis me sequestra,

statuens in parte dextra.

 

Confutatis maledictis,

flammis acribus addictis,

voca me cum benedictis.

 

Oro supplex et acclinis,

cor contritum quasi cinis,

gere curam mei finis.

 

Lacrimosa dies illa,

qua resurget ex favilla

iudicandus homo reus.

 

Huic ergo parce, Deus.

Pie Iesu Domine,

dona eis requiem.

 

Amen.

 

 

Traducción

 

Día de la ira, aquel día

en que los siglos se reduzcan a cenizas;

como testigos el rey David y la Sibila.

 

¡Cuánto terror habrá en el futuro

cuando el juez haya de venir

a juzgar todo estrictamente!

 

La trompeta, esparciendo un sonido admirable

por los sepulcros de todos los reinos,

reunirá a todos ante el trono.

 

La muerte y la Naturaleza se asombrarán,

cuando resucite todo lo creado

para que responda ante su juez.

 

Aparecerá el libro escrito

en que se contiene todo

y con el que se juzgará al mundo.

 

Así, cuando el juez se siente

lo escondido se mostrará

y no habrá nada sin castigo.

 

¿Qué diré yo entonces, pobre de mí?

¿A qué protector rogaré

cuando apenas el justo esté seguro?

 

Rey de tremenda majestad

tú que a los justos salvas de corazón,

sálvame, fuente de piedad.

 

Acuérdate, piadoso Jesús

de que soy la causa de tu calvario;

no me pierdas en este día.

 

Buscándome, te sentaste agotado

me redimiste sufriendo en la cruz

no sean vanos tantos trabajos.

 

Justo juez de venganza

concédeme el regalo del perdón

antes del día del juicio.

 

Grito, como un reo;

la culpa enrojece mi rostro.

Perdona, Señor, a este suplicante.

 

Tú, que absolviste a Magdalena

y escuchaste la súplica del ladrón,

me diste a mí también esperanza.

 

Mis plegarias no son dignas,

pero tú, al ser bueno, actúa con bondad

para que no arda en el fuego eterno.

 

Colócame entre tu rebaño

y sepárame de los machos cabríos

situándome a tu derecha.

 

Refutados los malditos

arrojados a las llamas voraces

hazme llamar entre los benditos.

 

Te lo ruego, suplicante y de rodillas,

el corazón acongojado, casi hecho cenizas:

hazte cargo de mi destino.

 

Día de lágrimas será aquel renombrado día

en que resucitará, del polvo

para el juicio, el hombre culpable.

 

A ese, pues, perdónalo, oh Dios.

Señor de piedad, Jesús,

concédeles el descanso.

 

Amén.

Es posible que, en un principio, tuviera ligeras diferencias con el texto canónico que se ha utilizado, de manera sistemática y sin alteraciones, desde el s. XIV. La iglesia católica ha sido inflexible con este tema, se podía modificar la música o melodía que acompañara al texto, pero no se podía alterar su contenido.

Es por ello, que haya tantas diferencias entre los Dies Irae de las diferentes Misas de Réquiem que se han compuesto desde el Renacimiento hasta nuestros días. Hay autores que dejaron la melodía original sin modificar, prácticamente, entre ellos los dos referentes más importantes del renacimiento español en cuanto a este tipo de composiciones, el sevillano Cristóbal de Morales (1500-1553, en su Missa pro Defunctis) y el abulense Tomás Luis de Victoria (1548-1611, en su Officium Defunctorum), pero lo normal es que el compositor creara una melodía diferente que acompañara a todas las partes en las que se fue dividiendo el poema y que acabaron formando la 5ª parte de la Missa pro Defunctis, la llamada SEQUENTIA.

En este punto, es necesario hacer una referencia a este tipo de Misas que, además, pueden presentar diferentes nombres pero que en esencia son lo mismo. Réquiem, Misa de Réquiem, Missa pro Defunctis, Missa Defunctorum, Officium Defunctorum… o sea, la Misa de Difuntos, la que tiene lugar en el momento justamente anterior al entierro de la persona fallecida y que se establece como conmemoración y recuerdo a su figura. La palabra “Requiem” significa “descanso” y este tipo de misas reciben este apelativo porque las primeras palabras pronunciadas en la ceremonia (dentro del Introito) son: «Requiem æternam dona eis, Domine, et lux perpetua luceat eis» («Concédeles el descanso eterno, Señor, y que brille para ellos la luz perpetua»).

Antes de dejar claro cuáles son las partes que debía tener una Misa de Réquiem, tengo que mencionar que no son exclusivas de la liturgia católica. También hay ejemplos en la ortodoxa o bizantina, en la anglicana y, en menor medida,  en la luterana. Como ejemplos de estas dos últimas estarían el Réquiem de John Rutter y el Réquiem Alemán de Johannes Brahms.

Dicho lo cual, la estructura establecida por el rito romano de la misa de réquiem, en latín, era:

I. INTROITUS. Requiem aeternam

II. KYRIE

III. GRADUALE Requiem aeternam

IV. TRACTUS Absolve, Domine

V. SEQUENTIA

1. Dies irae
2. Tuba mirum
3. Rex tremendae
4. Recordare
5. Ingemisco
6. Confutatis
7. Lacrimosa

VI. OFFERTORIUM

1. Domine Iesu Christe
2. Hostias

VII. SANCTUS

VIII. BENEDICTUS

IX. AGNUS DEI

X. COMMUNIO. Lux aeterna

XI. RESPONSORIUM. Libera me

XII. ANTIPHONA. In paradisum

XIII. Otros poco frecuentes, el que más el PIE JESU

Cabe destacar varias cosas

• Con respecto a una misa normal, en las de Réquiem no hay Credo ni Gloria, tampoco el Aleluya (que se sustituye por el Tractus) y, por último, se cambia el texto en parte del Agnus Dei (Cordero de Dios).
• Y que más nos incumbe, el texto del DIES IRAE acaba desdoblándose de manera que se acaba convirtiendo en las 7 partes que forman la SEQUENTIA. Si volvéis atrás y leéis el himno de nuevo podréis notar donde están las diferentes separaciones que se establecieron para poderlo introducir dentro de esta liturgia.
• No todas las Misas tenían que seguir este esquema. Por ejemplo Gabriel Fauré (1845-1924) no hace uso del Dies Irae en su Réquiem op.48 y sí utiliza el Pie Jesu, esquema que volvió a utilizar Maurice Duruflé (1902-1986) en su también famoso Réquiem op.9. También era común fusionar varias de las partes como por ejemplo el Sanctus con el Benedictus.

 

Si estáis interesados en conocer cuáles son las Misas de Réquiem más conocidas podéis consultarlas en multitud de fuentes, tanto literarias como en Internet, pero este documento quiere centrarse en el Dies Irae y cómo ha seguido siendo una constante su utilización a lo largo de los siglos. Por lo tanto seguimos nuestro camino.

Ya hemos visto que el texto se ha mantenido inalterado durante siglos en la liturgia romana pero ¿y la melodía gregoriana original? Pues ha seguido una vía paralela y alternativa también a lo largo del tiempo. Hay infinidad de referencias a esta melodía en distintas obras de música clásica, especialmente en los últimos 250 años, desde el Clasicismo a nuestros días. Os voy a poner una selección de obras donde se cita la melodía original dejando claro, de nuevo, que es una ínfima parte de las obras que la utilizan.

 

 

En el siglo XX, además, se ha utilizado en infinidad de ocasiones en la música para películas, como tema recurrente relacionado con la muerte o la proximidad a la misma. Posiblemente el último de ellos, o uno de los más recientes, sea que haya servido de base para la canción más famosa de la película de Disney, “Frozen 2”. Pero es solamente un ejemplo. Otro que merece destacarse es que Stephen Sondheim (1930-) utilizó la melodía del Dies Irae como Leif Motiv en toda estructura de su musical “Sweeney Todd”. A continuación os presento una serie de extractos de películas donde aparece la melodía de manera clara o ligeramente modificada y dos ejemplos de la multitud de vídeos que existen por Youtube donde se hace referencia a su utilización en diferentes películas.

Por tanto sigue teniendo una vigencia absoluta y una vida que, estoy seguro, va a ser todavía más larga aún. Para acabar dejarme recordar una película que no utiliza ni el texto ni la melodía original, pero que sí utiliza el Dies Irae… en su Título. Me refiero a la película homónima de Carl Theodor Dreyer (Dies irae (Vredens Dag)), estrenada en 1943. Espero que os haya gustado este tema.

 

 

 

 

 

 

40 PELÍCULAS DE VAMPIROS

Sin que sirva de precedente, por primera vez en este Blog voy a hacer una especie de lista, de top o de ranking sobre un tema. Todo surgió el pasado lunes viendo diferentes listas creadas por periodistas, blogueros y youtubers. El tema de las películas de vampiros me pareció un tema adecuado para hacer una clasificación porque es posible hacer un listado exhaustivo de películas que yo haya podido ver a lo largo de mi vida.

De hecho, he tenido que poner acotaciones. No he querido incluir en esta lista ni series de TV basadas en la mitología vampírica, ni secuelas o series de películas sobre el mismo tema, ni tampoco, evidentemente, películas que no haya visto. Es por eso que, estoy seguro, se echará en falta alguna película concreta y la razón es esa… no la he visto todavía o no recuerdo haberla visto, no sé que es peor. Un ejemplo podría ser “Jóvenes Ocultos” (The Lost Boys, 1987).

Por último antes de empezar con esta lista. No deja de ser MI LISTA, basada en mis gustos, mis recuerdos y mis sensaciones cuando las vi por primera vez o cuando las he ido revisitando con el tiempo. Voy a intentar explicar porqué están situadas en dicha posición cada película o, al menos, las 30 primeras. Empiezo.

31-40

31. Besos de vampiro (Vampire’s Kiss 1989)
32. Amor al primer mordisco (Love at First Bite 1979)
33. Abierto hasta el amanecer (From Dusk Till Dawn 1996)
34. Crepúsculo (Twilight 2008)
35. Underworld (2003)
36. Sombras Tenebrosas (Dark Shadows 2012)
37. Un Vampiro suelto en Brooklyn (Vampire in Brooklyn 1995)
38. Buffy, la cazavampiros (Buffy, the Vampire Slayer 1992)
39. Drácula, la leyenda jamás contada (Dracula untold 2014)
40. Abraham Lincoln: Cazador de vampiros (A.L.: Vampire Hunter 2012)

Estas 10 películas no merece mucho la pena que me pare a explicar, una a una, porqué están en esta posición. Podrían estar en cualquiera de ellas, porque igual da el puesto 31, el 37 o el 34. Elegid vosotr@s. Simplemente las vi y no me gustaron, por una razón o por otra. Por ejemplo, Amor al primer mordisco , Crepúsculo o Drácula Untold, son todo lo que yo no concibo en una película de vampiros, el romanticismo, el pasteleo, el pervertir el mito para poder buscar a un público no acostumbrado a ver películas donde la sangre sea un componente primordial.

Otras son películas de mucho presupuesto que no me dijeron nada cuando las vi, por ser demasiado películas de acción (Underworld y secuelas, Buffy, o la última) o por tener poco sentido ese nuevo tratamiento del concepto del vampiro, en vez de seguir el canon establecido por Bram Stoker.

Quizás sorprenda que estén aquí dos películas que, estoy seguro, ocuparían lugares más altos en cualquier listado de películas de vampiros que realice la persona que lea estas líneas. Hablo de Abierto hasta el Amanecer y de Sombras Tenebrosas. Por decirlo llanamente, no me gustan en absoluto… pero hay películas peores que ellas en la lista que merecen ocupar los últimos puestos.

La película de Robert Rodríguez me parece una de las películas más tramposas que se han hecho y, desde entonces, no tengo en buena consideración el cine de este director,… ni el de su amigo Quentin Tarantino tampoco. Y Sombras Tenebrosas me parece una de las peores películas (y son bastantes desafortunadamente) de Tim Burton. Afortunadamente no llega a esa abominación que es su versión de “El Planeta de los Simios”

 

30. Brácula, Condemor 2 (1997)

Primera película española de la lista y no va a ser la última. Era necesario acordarse de esta película que, dentro de su modestia y de su planteamiento eminentemente cómico, merece estar en esta lista aunque sea en el número 30. Soy un fan absoluto de la obra de Don Gregorio Esteban Sánchez Fernández, que allá en el cielo está junto a otros humoristas que marcaron mi infancia como Tip y Coll, Gila o Eugenio.

Y, sí, reconozco que es una mala película, posiblemente peor que «Aquí llega Condemor» (1996), pero ambas tienen momentos que recuerdo con mucho cariño y, por tanto, está en mi lista.

 

29. Transylvania 6-5000 (1985)

Película ochentera con Jeff Goldblum y Geena Davis, los protagonistas de La Mosca (The Fly, de David Cronenberg, película que se rodaría al año siguiente). Es una comedia sobre dos periodistas que quieren hacer un reportaje sobre Transilvania y el mito de Frankenstein.

En concreto, la vampiresa de esta película es Geena Davis. Típica película de su época, que ha quedado casi en el olvido para mucha gente, pero que yo recuerdo con el cariño de las películas que se alquilaban en videoclub, y en VHS, a finales de los 80.

 

28. Drácula (1979)

El Drácula de Frank Langella, dirigido por John Badham, que cuenta también con dos actores magníficos como Laurence Olivier (haciendo de Van Helsing) y de Donald Pleasance ( como el Doctor Seward).

Una película que ví hace mucho tiempo y que seguramente deba volver a ver, porque es posible que deba estar más alto de lo que la he situado. De cualquier forma no la recuerdo como una mala película y me parece adecuada su posición.

 

27. Van Helsing (2014)

Quizás sorprenda que esté en esta posición esta película. Imagino que debería ser candidata a una posición todavía más baja, pero no me parece una mala película… de acción. Y lo que sí le agradezco es ese detalle tan bonito de volver a reivindicar a los monstruos clásicos de la Universal, creados  la mayoría en la primera mitad de los años 30 del siglo pasado.

Ver a Lobezno haciendo de un Van Helsing musculado y a sueldo del Vaticano es un acto de fe que hay que aceptar para ver esta película, pero funciona infinitamente mejor que ese engendro sobre Abraham Lincoln.

 

26. Entrevista con el vampiro (Interview with the Vampire 1994)

Otra que puede sorprender su posición, pero esta vez tan baja. Tengo que reconocer que es una película en la que funcionan muy bien muchas cosas y que, en general, me gusta. Neil Jordan siempre aportaba cosas interesantes a sus películas, tenía un diseño visual muy cuidado, la niña vampiro es el mejor personaje de la película, la banda sonora es muy buena… pero tener a 3 guaperas como protagonistas, la convierte en digna película a ocupar este puesto.

Y no digo que lo hagan mal ni Antonio Banderas, ni Brad Pitt, ni Tom Cruise… pero no, un vampiro debe ser feo, horrible y maligno.

 

25. Solo los amantes sobreviven (Only Lovers Left Alive 2013)

También me gusta mucho el cine de Jim Jarmusch. Hay varias de sus películas que las tengo en alta estima, como “Noche en la Tierra”, “Dead Man” o “Bajo el peso de la ley”. En concreto ésta tampoco me parece que sea una mala película, en absoluto, pero tampoco me parece de las mejores.

Le reconozco esa languidez, ese hieratismo, su puesta en escena tan cuidada, pero también es una película bastante lenta (incluso para él) y romántica hasta la médula. Aún así me parece un logro el hecho de que haya vampiros con depresión.

 

24. Blade (1998)

Donde películas como las de Underworld o las de Crepúsculo no me llegan a llamar la atención, sí lo hizo (o al menos como para ponerla aquí) esta película. Otra película que es puramente una película de acción y no de terror, pero le reconozco dos virtudes que no encuentro en las otras. Tiene un guión bastante mejor, al menos la primera, y tiene un villano (Stephen Dorff) que, para mí, justifica su puesto.

Fijaos que no hablo de Wesley Snipes, porque simplemente cumple su papel de mediovampiro cazador de vampiros a golpe de espadas samurái. No tenéis nada más que ver que sus secuelas carecen del más mínimo nterés.

 

23. Vampiros de John Carpenter (J.C.’s Vampires 1998)

Me duele en el alma poner tan bajo esta película pero es que la considero una obra de la parte media de su director, al que quiero y reverencio con locura. No está, para nada, a la altura de La Cosa, Halloween o En la Boca del Miedo (por poner 3 de las mejores), pero tampoco es de las peores películas de su autor. De nuevo repito que es una opinión personal pues sé perfectamente que muchos seguidores de JC la consideran una de sus mejores películas. Discrepo.

Para mí es más un Western de Vampiros puro y duro pero, esta vez, no está basado en Rio Bravo, como sí ocurre con varias de las películas de Carpenter. En todo caso no puede estar nunca por debajo del 25 en esta lista.

 

22. Noche de Miedo (Fright Night 1985)

Otra película ochentera que todo el mundo suele recordar y que trataba el hecho de qué pasaría si un vampiro se mudara enfrente de tu casa y tú te dieras cuenta de quién es.

En este caso es Chris Sarandon el que ha hecho que esta película sea “de culto” o, al menos, que se la recuerde con cariño aún no siendo una buena película. Veo bien su posición final.

 

21. Las vampiras (Vampire Lesbos 1971)

La segunda película española y entre las tres mejores que rodó esa máquina de hacer películas que era Jesús Franco. Y digo española pero realmente es alemana por su producción y por su distribución internacional. Si no recuerdo mal, se rodó en Estambul y otros lugares de Turquía, porque era imposible rodarla en España aunque estuviéramos en los últimos estertores de la dictadura franquista.

Una película que introduce el lesbianismo en su género y en la que merece recordarse a su protagonista principal, también española, Soledad Miranda.

 

20. Hotel Transylvania (2012)

Primera película de animación en esta lista y no va a ser la última. Digna película para toda la familia que utiliza a todos los monstruos que inmortalizó la Universal. Y los reúne en un Hotel creado para monstruos y lejos del ser humano, empeñado siempre en darles caza.

Muy divertida (al menos la primera) y muy respetuosa en cuanto a los cánones que deben respetar cada uno de sus protagonistas. Aún así no puede estar más arriba porque no deja de ser una película que no busca más que lo que promete.

 

19. Kung Fu contra los 7 vampiros de oro (The Legend of the 7 Golden Vampires 1974)

Una película de la última etapa de la Hammer, una digna película de serie B, una que se sale bastante de la serie de películas sobre Drácula que protagonizó para esta compañía Christopher Lee, aunque su protagonista sea el Van Helsing de siempre, Peter Cushing.

Una película que solamente justifica su posición entre las 20 primeras porque… fue la primera película de vampiros que yo vi. En un cine de verano, con mis padres, y atraído más por cómo se iba a producir esa mezcla imposible entre Kung Fu y  Vampiros. Le tengo mucho cariño a esta película.

 

18. Cronos (1993)

El primer acercamiento de Guillermo del Toro (en su primera película) al vampirismo, que luego volvería a visitar en Blade II o en la serie de TV The Strain. Una película sorprendente, muy imaginativa y muy de su autor, aun siendo una ópera prima.

Magníficas las actuaciones de dos gigantes de la escena como  Federico Luppi y Ron Perlman  y una película a reivindicar y que merece ser recomendada a cualquier persona que no la haya visto. Su posición final sólo viene condicionada por la existencia de películas que yo considero mejor acabadas, o redondas, por delante.

 

17. Sangre Fresca (1992) (Innocent Blood)

Una de esas joyitas que tiene John Landis en su filmografía. Evidentemente no está a la altura de otras películas anteriores pero es una obra también a redescubrir.

Quizás sorprenda su alta posición pero es una película que recuerdo con cariño con una interpretación magnífica de su protagonista Anne Parillaud.

 

16. Guardianes de la noche (Nochnoy dozor 2004)

Película rusa que nos descubrió a su director, Timur Bekmambetov, y que podría haber dado lugar a una trilogía de películas de lo más sugerente. Desgraciadamente ese proyecto se difuminó con el mal resultado obtenido artísticamente y en taquilla de su secuela, Guardianes del Día (2006).

Una visión muy particular, la de un director ruso, al mito vampírico, con una película sorprendente, con mucha imaginación y muy diferente a todo lo que se había realizado hasta la fecha de su estreno. Como las dos anteriores, a reivindicar y recomendar.

 

15. Blood, el último vampiro (2000)

Otra película de animación pero, esta vez, un anime japonés. En realidad es un mediometraje, pues dura solamente 50 minutos, pero son 50 minutos de belleza visual, de imaginación desbordante y de momentos irrepetibles como sólo pueden darse en películas donde todo funciona bien.

Si no está en una posición más avanzada es por su carácter de Prólogo o Precuela de una serie de TV posterior y por su poca duración.

 

14. Drácula, de Francis Ford Coppola (1992)

Si, ya sé que no se llama así, pero me da igual. Para mí ese es su nombre, me niego a llamarla Drácula de Bram Stoker, porque es una absoluta mentira y así nos mintieron en el momento de su estreno. Todo aquel que haya leído alguna vez la novela del escritor irlandés podrá aseverar conmigo que esta película vuelve a quedarse con el arquetipo del vampiro, pero esta vez escoge una serie de elementos que, es cierto, no existían en las versiones anteriores del mito, como es la utilización de la narración epistolar para hacer avanzar la trama de la película.

A estas alturas ya os hacéis una idea de que yo la considero una obra fallida y así es, pero también le reconozco una serie de valores muy importantes, tanto como para situarla entre las mejores películas que se han hecho sobre vampiros. Por citar cuatro de ellas, la utilización de diferentes técnicas de filmación en la misma película (incluso algunas que no se utilizaban desde la época del cine mudo), el diseño artístico, el montaje o su Banda Sonora. Solamente por ese monumento, por esa obra maestra que es la música que creó Wojciech Kilar para esta película, merece su posición en esta lista.

 

13. Soy Leyenda (I Am Legend 2007)

Aquí imagino que chocaré con muchos de vosotr@s. Sí, yo considero esta película como una de vampiros. Alguno pensará que son zombis, pero las criaturas que pueblan ese Manhattan fantasmagórico tras la prácticamente extinción del ser humano, solamente se mueven, atacan y cazan en la oscuridad de la noche.

Una película que tengo en muy alta estima y que me sigue encantando por muchas veces que la vea. Le perdono incluso ese final que puede parecer chocante e, incluso, decepcionante.

 

12. Drácula (1931)

Como no iba a estar el Drácula de Bela Lugosi y de Tod Browning en esta lista. Una película magnífica, creada por uno de mis directores favoritos e interpretada por el húngaro de una forma tan convincente que crearía cátedra en la forma de interpretar al Príncipe de las Tinieblas.

No está en una posición más avanzada porque hay películas que, personalmente, me ha parecido más indicado situarlas por delante.

 

11. Vampyr, la bruja vampiro (Vampyr – Der Traum des Allan Grey 1932)

La película de ¿vampiros?, de ¿brujas? de ese genio llamado Carl Theodor Dreyer. Una película bellísima, inclasificable, con una fotografía que siempre intenta mostrar todo como bañado por la bruma del tiempo y, por tanto, reflejando una atemporalidad que le sigue funcionando como un reloj a la película.

El que no haya visto Vampyr debe de buscarla de manera inmediata, pero no está de más mencionar que sigue siendo una película muda…pero con sonidos.

 

10. Vampiros en La Habana (1985)

Segunda película latinoamericana de la lista (Cronos es mexicana) y la obra que dio fama eterna a su creador, el recientemente fallecido director cubano Juan Padrón. Una de las películas más divertidas, más gamberras y más imaginativas de todas las que pueblan esta lista.

Creo que ya, desde la nº 20, queda claro que todas me gustan mucho, pero en el caso de Vampiros en la Habana quería colocarla en el número 10 por nostalgia, por lo que me ha hecho reír esta película y por recordar la figura de su creador.

 

9. El Ansia (The Hunger 1983)

Posiblemente la mejor película que dirigió Tony Scott, hermano de Ridley Scott, en mi humilde opinión. Otra película donde la estética es fundamental, donde la fotografía y el diseño de la película juegan un papel importantísimo, y una interpretación de su trío protagonista que ha hecho que la siga considerando una de las mejores películas de vampiros hasta la fecha.

Si, a eso, añades que son David Bowie, Catherine Deneuve y Susan Sarandon, más la aparición de la banda gótica Bauhaus cantando «Bela Lugosi’s dead» … te da el nº  9.

 

8. Lo que hacemos en las sombras (What We Do in the Shadows 2014)

Otra comedia de vampiros que proviene de un lugar atípico, Nueva Zelanda. Una película que se basa en una descacharrante premisa, ¿qué pasaría si un grupo de periodistas grabase un documental sobre cómo viven los vampiros de hoy en día? Exactamente así. Un equipo de TV intenta grabarlo en un piso compartido por 4 vampiros de diferente generación y con personalidades contrapuestas, de manera que les van filmando en su día a día.

Al principio de esta lista dejé claro cómo detestaba el romanticismo en las películas de vampiros, pero tengo que confesar que me encanta la mezcla entre comedia y terror vampírico…. siempre que esté bien hecho, como es este caso.

 

7. Daybreakers (2009)

No salimos de Oceanía y, simplemente, cambiamos de islas. Esta sorprendente película australiana, dirigida por los hermanos Spierig, fue toda una sorpresa cuando cayó en mis manos hace aproximadamente 8 años. Parte de un concepto totalmente distinto, pero muy de actualidad. Debido a la infección por un virus mutante, la mayor parte de la población se ha convertido en vampiro y se dedican a perseguir a los humanos que todavía existen, aunque al borde de extinguirse, tras superar esa plaga.

Aparte de sorprenderme, esta película posee una belleza visual descomunal  y está protagonizada por 3 grandísimos actores como Sam Neill, Willem Dafoe y Ethan Hawke. Una delicatessen.

 

6. Nosferatu, vampiro de la noche (Nosferatu, Phantom der Nacht, 1979)

La versión de Werner Herzog del clásico imperecedero de Murnau, con Klaus Kinski haciendo el papel del Nosferatu,  Isabelle Adjani como Lucy y el fantástico Bruno Ganz como Jonathan Harker.

Magia pura en acción, un remake que puede mirarle a los ojos a un monumento fílmico como es la película de 1922. Sin duda filmada en la mejor época de la colaboración de ese tándem, rallando siempre en la esquizofrenia, entre Herzog y Kinski. … y esa banda sonora de Popol Vuh.

 

5. Déjame Entrar (Låt den rätte komma in, 2008)

La obra maestra de Tomas Alfredson. Una película sueca que nos lleva a la amistad juvenil entre un chico y una joven vampira, partiendo de una premisa que ya se había tocado en varias películas anteriores, un vampiro no puede entrar en tu casa si tú no le permites el acceso.

Perfecta de cabo a rabo, con las dosis justas de violencia y de hemoglobina y con una historia que te la llegas a creer, aunque sea rocambolesca, debido a la interpretación de sus jóvenes protagonistas, a la dirección de Alfredson y a un guión magnífico.

 

4. El misterio de Salem’s Lot (Salem’s Lot 1979)

Otra película por la que tengo predilección, pero que nació como miniserie para TV. Basada en una de las primeras novelas escritas por Stephen King (es de 1975), fue dirigida por el nunca bien ponderado Tobe Hooper. Un director que se puede permitir el lujo de decir que estuvo detrás de tres obras fundamentales del terror como la Matanza de Texas, Poltergeist o la aquí mencionada.

Protagonizada por David Soul  (cuando acababa sufamosísima serie policíaca Starsky & Hutch,  en la que interpretaba al detective Ken «Hutch» Hutchinson), con un James Mason desatado en su papel de malo, malísimo y con un vampiro que era el hijo putativo del Nosferatu de Max Schreck. Yo creo que la vi con 11 años y desde entonces me ha sido imposible olvidarla.

 

3. Drácula (1958)

Tengo que confesar que la persona que más miedo me causaba de pequeño era Christopher Lee. Era verle en pantalla, aunque fuera cinco segundos, y ya sabía lo que iba a pasar esa noche, pesadilla vampírica con sus ojos inyectados en sangre…

He puesto la primera película de Drácula, aunque podría poner cualquiera de las estupendas películas que hizo la Hammer entre finales de los 50 y principios de los 70. Ésta tiene el aliciente de montar por primera vez toda una santa trinidad vampírica, Terence Fisher a la dirección, Peter Cushing como Van Helsing y C. Lee como el Príncipe de los vampiros.

 

2 Nosferatu (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, 1922)

He dudado mucho entre si poner esta película como la primera o poner la que, finalmente, ha ocupado esa posición. Es como preguntar ¿a quién quieres más, a papá o a mamá?… En fin ha acabado la segunda.

Pero es el momento de confesar mi personal y modesta opinión sobre el mito de Drácula (la película se llamó Nosferatu (el no-muerto) porque Murnau no consiguió los derechos de la novela). Para mí Drácula es la encarnación el mal absoluto, un ser incapaz de amar y ser amado, un ser que lleva consigo la enfermedad, la inmundicia y la brutalidad del ser humano. Es como aparece en la novela de Bram Stoker y como yo lo puedo entender.

El cine americano se encargó de cambiar su figura y amoldarla a un nuevo canon (ahí está el Drácula de Lugosi o el de Coppola) pero yo valoro mucho más cuando se dejan de sensiblerías, de romanticismo ñoño o de pura basura emocional buscada solamente para atraer más público. Nosferatu sigue siendo la versión más fiel a la novela y va a cumplir, dentro de poco, el siglo de vida.

 

1. El baile de los vampiros (The Fearless Vampire Killers, 1967)

Pues sí, una comedia de terror vampírico es, para mí, la mejor película de vampiros y lo es, simplemente, porque es una de mis películas preferidas de todos los tiempos.

La definición de cómo debe ser una película perfecta de principio a fin: un reparto magnífico; un guión espectacular; las dosis de humor justo y descacharrante; las dosis de terror colocadas en el momento oportuno;  una fotografía magnífica; una banda sonora inolvidable de Krzysztof Komeda, un genio que, desgraciadamente, se nos fue  demasiado pronto (2 años después, tras realizar la banda sonora de La Semilla del Diablo); una dirección de Roman Polanski simplemente magnífica… Que voy a deciros más. La quiero con toda mi alma.

 

Espero que os haya gustado esta selección de películas y que os haya descubierto alguna de ellas. Si, encima,  con ello os animo a verlas me doy más que por satisfecho.

FLORIAN SCHNEIDER Y KRAFTWERK

Ayer, a última hora del día, me enteré del fallecimiento del músico y creador alemán Florian Schneider a los 73 años (1947-2020).

Para los que no caigan todavía de quién hablo, baste decir que fue uno de los pioneros de la música electrónica de masas (me refiero a que no era compositor de música clásica o contemporánea), pues fue uno de los dos fundadores del grupo alemán KRAFTWERK y permaneció en dicho grupo casi 40 años. Su muerte me va a servir de excusa para recordar su obra y para recordar la trayectoria de su grupo.

Nacido en un pueblo del sur de Alemania, cerca del lago Constanza, se mudó con su familia a Düsseldorf (en Renania del Norte – Westfalia) cuando tenía 3 años, allí permaneció la mayor parte de su vida y allí falleció en el día de ayer. Por lo visto era de familia bien, creo que su padre era un arquitecto famoso en Alemania, lo cual le permitió estudiar Arte en la Universidad y después acabar sus estudios de música y composición en la Robert Schumann Hochschule de su ciudad.

Fue en ese Instituto Musical – Conservatorio donde conoce, en 1968, al que va a ser su colaborador durante los siguientes 40 años, RALF HÜTTER (1946). Florian venía de haber formado un grupo, o Dúo, con otro músico de la zona y se hacían llamar PISSOFF. El experimento apenas funcionó un año, entre 1967 y 1968.

Al poco de conocer a Ralf, se integran en otra banda  juntos a otros músicos de dicha ciudad. Este nuevo proyecto se hizo llamar ORGANISATION y era un grupo de rock progresivo o, como se denomina su vertiente alemana, “Krautrock”. En él estuvieron apenas dos años, tiempo en el que les dio lugar a publicar el único disco que vio la luz de este primigenio proyecto: “Tone Float” (1970).

 

En dicho grupo, Schneider tocaba la percusión, la flauta o el violín eléctrico, mientras que Ralf tocaba el Órgano Hammond y otros teclados. Al poco de salir su único disco, Florian y Ralf se marchan del grupo para formar KraftWerk, con lo que el grupo quedó herido de muerte y se disolvió en 1971.

 

KRAFTWERK 1970-2008

 

Antes que nada, Kraftwerk, en alemán, significa Central Eléctrica o Central Energética. Con ese nombre han pasado a la historia, sobre todo al de la historia de la música electrónica. Según parece, el primer concierto que dieron con esta nueva denominación fue el 11 de julio de 1970 en un Festival de Aachen (Aquisgrán). Aparte de ellos dos contaban con otro músico a la batería, lo cual sería una constante en la trayectoria del grupo, pero a su manera…

No existen imágenes de este concierto pero sí de su primera actuación en Televisión. Fue en el programa “Rockpalast”, de la WDR (Westdeutscher Rundfunk), la Televisión más importante del Oeste de Alemania, y estaba especializado en actuaciones de grupos en vivo. Esta actuación es de ese invierno de 1970 y contaba con Klaus Dinger a la batería.

 

 

Poco antes, en noviembre de ese año 1970, aparece el primer disco de Kraftwerk, titulado KRAFTWERK 1. Se grabo, ese verano, en un pequeño estudio de grabación propio de Ralf y Florian. Este estudio acabó llamándose Kling Klang. Evidentemente las 4 canciones que componen el disco fueron firmadas por ambos. En la batería se alternaron dos músicos, Andreas Hohmann y el ya citado Klaus Dinger. Ralf tocaba los instrumentos de teclado y Florian la flauta, el violín y la percusión.

 

A este primer disco le siguen otros dos en los que el grupo se queda como dúo, KRAFTWERK 2 (Enero 1972) y RALF UND FLORIAN , de octubre de 1973, disco publicado así, no con el nombre del grupo.

En el primero de ellos aparece por primera vez una caja de ritmos para sustituir al batería, modus operandi que les serviría de inspiración para construir, posteriormente, sus percusiones electrónicas. Se grabó en otoño de 1971 y todavía utilizaron los instrumentos más comunes en las bandas de Krautrock de la época , guitarra, bajo, violín, flauta, teclados y cintas magnetofónicas para crear efectos de looping. La portada del disco es prácticamente la misma que la del primero, pero con el Nº2. Sólo cambia el color rojo por el verde.

Con el disco de 1973, empiezan a hacerse un nombre en el panorama musical de la antigua RFA, sobre todo por sus innovaciones sonoras, sus improvisaciones en directo y la buena acogida de sus canciones por parte del público. Como ya he dicho, solo participan ellos dos en el disco de forma que Ralf tocaba el bajo, la guitarra, o la cítara y Florian la flauta, el violín, la guitarra, pero, además, ambos se repartían también los teclados la percusión y las voces.

 

Todo cambia en 1974, cuando el grupo da un salto cualitativo de consecuencias inmediatas. Se abandona la escritura para instrumentos de rock progresivo y se apuesta más por la utilización del sintetizador MOOG. Comienzan a producir una serie de discos temáticos, conceptuales o programáticos. Se apuesta por sonidos más sencillos y menos experimentales, apoyados por los nuevos instrumentos electrónicos, como el ya citado o la utilización, por primera vez, del VOCODER para retocar las voces.

Y es que, AUTOBAHN (noviembre 1974), fue el disco que les dio a conocer, no solo en la RFA, sino en todo el mundo, pues fue un éxito tremendo por su innovación y calidad. El tema principal (que dura lo que duraba una cara de los antiguos LPs, 23 minutos), es uno de los temas más conocidos del grupo.

Aún con todo lo que he explicado, todavía utilizan en Autobahn instrumentos tradicionales, como la flauta, el violín y la guitarra. Es de destacar que este disco marca el comienzo de la colaboración de WOLFGANG FLÜR y de EMIL SCHULT con el grupo de Düsseldorf. El primero toca la batería electrónica en Kometenmelodie 2 y el segundo comienza con este disco su larga colaboración con el grupo a cargo del diseño artístico del grupo, las portadas y conceptos visuales de sus álbumes, aparte de colaborar en las letras en todos los discos grabados entre 1974 y 1986. Con todo el derecho se debe considerar a Emil Schult como el 5º integrante del grupo en esa época.

Si Autobahn es el disco que les hace famosos, RADIO-AKTIVITÄT (octubre 1975) es el disco que inaugura la época dorada del grupo y la formación más legendaria del mismo. A Ralf, Florian y Wolfgang Flür (integrado como percusionista) se une otro percusionista más, KARL BARTOS, que aportará sus ideas y programaciones.

El disco explora dos conceptos diferentes, por un lado el de la Radioactividad (como su propio nombre indica) y por otro el de la comunicación por radio, el peligro atómico y ese medio de comunicación con nombre del elemento químico descubierto por el matrimonio Curie (y encima radiactivo). Schult diseñó la portada del disco, que consiste en una ilustración modificada de una radio de los años 30.

Otra novedad que será una constante a partir de ese momento, se publica con ediciones en alemán e inglés. Y otra más, es el primer disco producido por ellos mismos (por Ralf y Florian) en el estudio Kling Klang y con su sello propio Kling Klang Verlag, de manera que podían controlar financieramente su obra.

Por último es de destacar la utilización de nuevos instrumentos. Por un lado el teclado Vako Orchestron (que crea efectos de coros, cuerdas y podía actuar como órgano) que, parece ser, el grupo compró  en EEUU en la gira de Autobahn.

Y por otro las percusiones electrónicas que creó el propio grupo. Por lo demás también se utiliza el vocoder, el sintetizador Minimoog y el ARP Odyssey (pero ya no hay flautas, guitarras o violines).

Su siguiente disco es el disco temático dedicado al Tren y a Europa, TRANS EUROPA EXPRESS (mayo 1977) o, a nivel internacional , Trans-Europe Express. Se grabó a mediados de 1976 en el estudio del grupo.

Varias cosas a destacar antes de hablar del disco. En 1976, durante la gira del disco anterior (y última gira en mucho tiempo) Ralf decide establecer un código ético en el grupo, demostrando que era el verdadero líder del grupo, como sigue siendo actualmente porque el grupo es él… y los demás. Ralf  es vegetariano y un enamorado del ciclismo. Es una persona que se dio cuenta de los problemas que podían tener si los miembros del grupo no se abstenían de beber alcohol o de tomar drogas durante las sesiones de grabación o los conciertos en vivo. Por tanto, a partir de ese momento, se debía de cumplir lo establecido por él en ese sentido.

Por otra parte en 1976, Hütter y Schneider conocen a David Bowie y a Iggy Pop, que estaban en su etapa alemana,  antes de la grabación del disco, lo que, a bien seguro, influyó en sus letras. Bowie era un enamorado de sus dos discos anteriores y llegó a dedicarle una canción a Florian en su disco “Heroes” (1977). Se trata de V2-Schneider.

Volviendo al disco, el grupo utilizó sonidos ferroviarios captados por ellos y posteriormente los modificaron para hacerlos más adecuados al sonido del disco y del grupo. También utiliza por primera vez el secuenciador Synthanorma, creado exclusivamente para ellos por una empresa electrónica,. Era un secuenciador analógico de 32 pasos y 16 canales que liberaba a los músicos de la repetición de secuencias musicales en los teclados

En cuanto a los versiones, aparte de la edición alemana e inglesa, también se hizo la versión del disco cantada en inglés y se llegó a grabar una canción en francés: la canción «Showroom Dummies», que se llamó «Les Mannequins».

Y es que esos maniquís de escaparate fueron la marca de diseño de dicho álbum. La portada del disco la firmó el fotógrafo  Maurice Seymour, y en ella los 4 van vestidos de traje y posando como si fuesen de dichos maniquís. Como ya he dicho antes,   Emil Schult se encargó del diseó artístico y coescribió algunas de las letras.

La década de los 70 acaba con la publicación de DIE MENSCH-MASCHINE (Mayo 1978), o The Man-Machine. Su cuarta obra maestra consecutiva. Vuelve a ser un álbum conceptual donde, en este caso, se tocan temas tan del grupo como la robótica, los autómatas y la ciencia ficción. Posiblemente sea el disco más conocido a nivel mundial del grupo gracias al éxito de su canción “Das Model”, o el de “Die Roboter”.

En esta ocasión no aparece ningún instrumento nuevo en el disco. Se vuelven a utilizar los ya empleados en el anterior. Y, ya lo he citado anteriormente, tampoco tuvo gira en directo, como su anterior disco ferroviario. Era muy difícil llevar los cada vez más sofisticados sonidos del grupo al directo y a una gira por diferentes lugares del mundo.

Los 80 empezaron con la publicación de su  octavo disco, tras 3 años de espera. Se llamó  COMPUTERWELT (Mayo 1981), o Computer World.  Vuelve a ser un disco conceptual marcado, esta vez, por la computación, la tecnología y la deshumanización por la utilización de ordenadores incluso para tener relaciones afectivas (como en Computerliebe).

Se grabó entre 1979 y 1981 y vuelve a coescribir la música Karl Bartos, como ya había hecho en el disco anterior. El que empezaba a quedar más arrinconado en el proyecto era Wolfgang, hasta el punto de no salir acreditado en el siguiente disco (el de 1986), aún habiendo participado en la creación el mismo.

Los temas cortos, rítmicos y repetitivos  llegan al máximo con “Nummern” , cuya letra se basa en enumerar del 1 al 8, y en varios idiomas (alemán, inglés, francés, italiano, castellano y japonés) , que se van entrecruzando y superponiendo unos encima de otros.

También llegaron a hacer una versión de Taschenrechner en japonés. Se trata de Dentaku , luego muy utilizada por el grupo en sus directos. La instrumentación sigue siendo la misma que en los dos discos anteriores.

Otro punto muy importante es que pudieron volver a realizar conciertos en directo. En los tres años de impase se había reformado el estudio y se pudo construir una serie de módulos que podían transportarse en una gira. De 1976 a 1981 la única forma de verlos había sido en TV o en videoclips. Tocando en Europa, EEUU, Japón, Australia, India y, por primera vez, tras el Telón de Acero, en Hungría y Polonia. También llevaban pantallas para videos y animaciones, controladas por un operador de video.

Si habían pasado 3 años entre el Hombre-Máquina y Mundo Computadora, ahora pasaron 5 entre éste y el siguiente disco del grupo, que marcó el final de la época dorada y del cuarteto que le dio fama al grupo.

Entre uno y otro solamente publicaron un single,  Tour de France (agosto 1983),  creado para la famosa carrera ciclista gala y que publicaron en versión francesa y alemana. Ya he dicho que Ralf era un loco del ciclismo, hasta el punto de tener un serio accidente con la bicicleta en 1982. Pero le fascinaba la idea de tratar todo lo relacionado con ese deporte.  También ayudó que florian empezara a experimentar con samplers digitales, como ruidos de ciclistas, la respiración humana, y otras fuentes de sonido. La canción se estrenó en la edición de ese año, la de julio de 1983.

En 1986 se publica ELECTRIC CAFÉ (noviembre1986). Esta vez no era un disco conceptual, lo cual no le vino bien a la hora de ser bien recibido por el público. También se dijo que habían perdido la chispa, que ya no querían innovar y había falta de ideas.

El álbum se iba a llamar Technopop y se grabó entre 1982 y 1986 , pero se canbió por Electric Café, durante las sesiones de la mezcla final en 1986. Esta vez sí que hay un cambio al utilizar sistemas digitales de composición y samplers. También fue su primer disco editado en CD.  Fue un esfuerzo muy grande que les llevó cuatro años y que le llevó también a sacar versiones en español de «Techno Pop» y «Sex Object». De hecho se hizo una edición alemana, otra inglesa y otra española.

Otro salto cualitativo fue que en el vídeo del «Musique Non-Stop» se utilizan imágenes creadas por ordenador a cargo de la estadounidense Rebeca Allen. Existe una nueva versión, del año 2009, que retitula el disco como Technopop y tiene una canción más que salió como cara B de un single.

Como ya he dicho fue el último disco de Wolfgang Flür que dejó el grupo en 1987 y no está acreditado, aunque salga su imagen en la portada del disco. También fue el último disco de Bartos (que vuelve a ser co-creador de las piezas), pues abandonó el grupo en 1990. Emil Schult también colaboraría con el grupo por última vez, coescribiendo las letras.

 

En febrero de 1990 hacen una gira de 4 conciertos en Italia con FRITZ HILPERT en el puesto de Wolfgang Flür. Fritz sigue estando en el grupo. Éstos fueron los últimos conciertos de Karl Bartos con Kraftwerk, que abandona el grupo en agosto.

En 1991, en vez de un disco de grandes éxitos que detestaban, publican  THE MIX (julio 1991), ​ con regrabación de sus canciones más conocidas. También se consigue la digitalización completa de todos los archivos sonoros originales y se consigue la digitalización completa del estudio.

La baja de Bartos se cubrió primero con el portugués Fernando Abrantes y finalmente por HENNING SCHMITZ, que sigue siendo miembro del grupo actualmente. Henning había trabajado ya antes con el grupo (fue ingeniero de sonido en Die Mensch-Maschine y en Electric Café).

Para las giras de esta época, y para el tema «The Robots», se crearon 4 robots, que reemplazaban a los músicos, movidos por control remoto y capaces de bailar mecánicamente y de forma sincronizada.

Hubo giras en 1992, 1993, 1997 (donde estrenan  los nuevos trajes de luz ultravioleta) y 1998, tocando en esta última ocasión en Barcelona, Buenos Aires, Río de Janeiro o Sao Paulo, entre otras ciudades.

En 1999 crean una canción para la Exposición Universal en Hannover de 2000, «Expo2000» publicado en diciembre de ese 1999.

En 2001 colaboran con Ryuichi Sakamoto en el proyecto benéfico en contra de las minas antipersona,  Zero Landmine.

Ya en 2002  inician una gira mundial de 3 años llamada Minimum-Maximum, donde Kraftwerk presentaba toda su música adaptada a 4 Consolas con ordenadores portátiles que generaban y modulaban todos los archivos sonoros en directo. También se valían de una instalación con una pantalla de vídeo de 16 metros. Ya no había problema alguno para desplazar el equipo.

Esta gira sería grabada en DVD y editada en el primer disco en directo del grupo, MINIMUM-MAXIMUM (junio 2005).  Pero antes hay que hablar del último álbum de estudio del grupo.

Se trata de  TOUR DE FRANCE SOUNDTRACKS (Agosto 2003)  (o solo Tour de France). Disco publicado bajo la excusa del centenario de la carrera gala, pero que, en realidad, es la culminación de un disco inacabado empezado en 1983 con el single del mismo nombre. Ralf quería tratar muchos conceptos relativos al ciclismo, desde los aspectos mentales y físicos de este deporte  a la salud, la medicina, el entrenamiento o la nutrición y regeneración de los ciclistas.

Con todo y con eso, en julio de 2003 Kraftwerk fue invitado por la carrera para seguir la etapa de Alpe d’Huez por coche y helicóptero en los Alpes. Por tanto,  Tour de France Soundtracks, vuelve a ser un disco totalmente conceptual pero, esta vez,  con la mayoría de letras en francés. Lo raro es que fueron nº1 de la lista de álbumes en Alemania…. Por primera vez.

Tras ello el grupo inicia la segunda fase de la gira mundial, que les llevo a muchos países que no habían visitado (como Portugal,  Rusia, Chile o México). La gira mundial fue grabada en audio y video y dio lugar al citado disco recopilatorio en directo de 2005.

El único tema nuevo del disco es «Planet of Visions», que no deja de ser un remix de «Expo 2000».  Otra ironía, este disco fue nominado al Premio Grammy dentro de la categoría de mejor álbum dance/electrónico.

La versión en DVD salió al público en diciembre de 2005 como doble DVD con sonido envolvente DTS 5.1.

La última participación de Florian con el grupo fue durante los conciertos que se realizaron en noviembre de 2006. Ya en la gira por EEUU de 2008 no quiso participar y se buscó un sustituto (el operador de vídeo Stefan Pfaffe). El 21 de noviembre de 2008 se confirmó oficialmente que Florian Schneider había abandonado Kraftwerk.

Las razones aducidas en el entorno próximo del grupo es el cansancio por la dinámica presente en el grupo, su deseo de no participar en las giras y conciertos promocionales y su vinculación con otros proyectos personales… pero realmente no hizo prácticamente nada desde ese momento a nivel musical. Colaboró con algún grupo alemán, pero lo más meritorio fue una canción que publicó en 2015 “Stop Plastic Pollution”,  para un proyecto en contra de la contaminación de los Océanos.

Según parece la causa de su muerte ha sido el cáncer y además uno bastante agresivo que ha acabado con su vida con bastante celeridad. DEP​

 

Los estudios de grabación Kling Klang, situados en Düsseldorf, centro neurálgico de la actividad de Kraftwerk

 

 

Organisation 1968-1970

Tone Float (1970),

1. Tone Float 20:38
2. Milk Rock 5:24
3. Silver Forest 3:18
4. Rhythm Salad 4:04
5. Noitasinagro 7:46

 

 

Kraftwerk (1970-2008)

 

Kraftwerk 1.  (nov.1970)

1. «Ruckzuck» (En un Santiamén) 7:50
2. «Stratovarius» 12:14
3. «Megaherz» (juego de palabras con Megahercio; significa Mega-Corazón) 9:32
4. «Vom Himmel hoch» (Desde el cielo)                                                                   10:15

 

 

Kraftwerk 2 (Enero 1972)

1. «Kling-Klang» (Ding-Dong) 17:36
2. «Atem» (Respiro) 2:57
3. «Strom» (Corriente) 3:52
4. «Spule 4» (Bocina 4) 5:07
5. «Wellenlänge» (Longitud de Onda) 9:40
6. «Harmonika» (Harmónica) 3:17

 

 

Ralf  und Florian , octubre de 1973.

1. «Elektrisches Roulette» (Ruleta eléctrica)                 4:20
2. «Tongebirge» (Montaña de sonido)                 2:50
3. «Kristallo» (Cristales)                 6:20
4. «Heimatklänge» (Sones de tu tierra)                 3:45
5. «Tanzmusik» (Música de baile)                 6:35
6. «Ananas Symphonie» (Sinfonía de la piña) 13:55

 

 

Autobahn (noviembre 1974),

1. «Autobahn» (Autopista)                           22:42
2. «Kometenmelodie 1» (Melodía del cometa 1)     6:26
3. «Kometenmelodie 2» (Melodía del cometa 2)     5:48
4. «Mitternacht» (Medianoche)                      3:43
5. «Morgenspaziergang» (Paseo matinal)                   4:04

 

 

Radio-Aktivität (octubre 1975)

A

1. Geigerzähler / «Geiger Counter»                     1:07
2. Radioaktivität / «Radioactivity»                 6:42
3. «Radioland»                                                5:50
4. Ätherwellen / «Airwaves»                 4:39
5. Sendepause / «Intermission»                          4:19
6. Nachrichten / «News»                                      1:17

 

B

1. «Die Stimme der Energie» /  «The Voice of Energy»  0:55
2. «Antenne» / «Antenna»                                                                  3:43
3. «Radio Sterne» / «Radio Stars»                                                     3:35
4. «Uran» / «Uranium»                                                               1:26
5. «Transistor»                                                                               2:15
6. «Ohm Sweet Ohm»                                                                5:39

 

 

Trans Europa Express (mayo 1977),

1. «Europa Endlos» /«Europe Endless» 9:41
2. «Spiegelsaal» / «The Hall of Mirrors» 7:56
3. «Schaufensterpuppen» / «Showroom Dummies» 6:17
4. «Trans Europa Express» 6:36
5. «Metall auf Metall» / «Metal on Metal» 1:46
6. «Abzug» (Deducción, descuento) 5:18
7. «Franz Schubert» 4:25
8. «Endlos Endlos» /  «Endless Endless»                                          0:45

 

 

Die Mensch-Maschine (Mayo 1978),

1. «Die Roboter» / The Robots                                6:12
2. «Spacelab»                                                                6:01
3. «Metropolis»                                                                      6:00
4. «Das Model» /The Model                                                               3:38
5. «Neonlicht» / Neon Lights 8:52
6. «Die Mensch-Machine» / The Man-Machine 5:32

 

 

Computerwelt (Mayo 1981),

1. «Computerwelt» /Computer World                 5:05
2. «Taschenrechner» / Pocket Calculator 5:00
3. «Nummern» / Numbers                                3:00
4. «Computerwelt 2» /Computer World 2 3:30
5. «Computerliebe» / Computer Love                 7:00
6. «Heimcomputer» / Home Computer 6:00
7. «It’s More Fun to Compute»                           4:15

 

 

Tour de France (agosto 1983),  single.

 

 

Electric Café (1986)

1. «Boing Boom Tschak»                                                2:57
2. «Techno Pop»                                                                7:42
3. «Musique Non-Stop» 5:45
4. «The Telephone Call» («Der Telefon-Anruf») 8:03
5. «Sex Object» («Sex Objekt»)                                6:51
6. «Electric Café»                                                                4:20

 

Techno Pop (versión 2009): incluye una canción más: House Phone»  (Cara B del single The telephone Call de 1987)   4:57

 

 

THE MIX (julio 1991)

 

«Expo2000» single   (diciembre 1999).

 

Tour de France Soundtracks (Agosto 2003)

1. Prologue                 0:31
2. Tour De France Étape 1 4:27
3. Tour De France Étape 2 6:41
4. Tour De France Étape 3 3:57
5. Chrono                                3:20
6. Vitamin 8:10
7. Aéro Dynamik                 5:05
8. Titanium                 3:21
9. Elektro Kardiogramm 5:16
10. La Forme                 8:42
11. Régéneration                 1:16
12. Tour De France                 5:11

 

 

Minimum-Maximum (junio 2005).  Recopilatorio en directo

Como decíamos ayer…

Buenos días (o buenas noches) a todo el que haya decidido acercarse a estas páginas y a toda persona que haya seguido consultando, accediendo o visitando este Blog, durante los 4 años de hibernación. Fueron muchas las razones que me hicieron tomar la decisión de parar en el verano de 2016 y no merece la pena comentarlas, la verdad.

 
Para el que tenga algo más de curiosidad solo le voy a dar tres razones y espero que les valga: la primera el fallecimiento de mi padre tres meses antes; la segunda la desidia o desgana ante un trabajo ímprobo que no se veía reflejado en las visitas o comentarios que hacía la gente. Sinceramente al final me parecía una pérdida de tiempo. Y la tercera es la más común, el tándem trabajo /familia.

 
El caso es que siempre me dejé un pequeña puerta abierta a volver, porque me sigue gustando mucho contar historias y compartirlas con todo el que quiera escucharlas. En eso tengo ya algo de Abuelo Cebolleta y, de hecho, he seguido haciéndolo con mis amigos vía Whatsapp. Solamente necesitaba una razón o un estímulo para volver y los acontecimientos han decidido que éste sea el mejor momento para hacerlo.

 

 

Estamos viviendo un año demencial, un año de los que no se te olvidan en toda tu vida, un año que está siendo el espejo de lo penosa que es la clase política que nos gobierna, a nivel local (con los gobiernos de cada nación) o a nivel global (encabezado por ese pandemónium que es la OMS, que va a quedar tocada, y muy posiblemente herida de muerte, después de esta crisis).

 
Es curioso, la última entrada que hice en julio de 2016 trataba el atentado terrorista de Niza y hoy vuelvo en medio de la peor crisis sanitaria del último siglo… Pero así es este Blog y así quedó planteada su existencia desde su inicio, un enorme, laberíntico y poliédrico Cajón de Sastre donde es posible tratar cualquier tema que me parezca adecuado, aunque siempre tendiéndolo a enfocar en las diferentes categorías que establecí cuando creé el Gabinete del Parnaso en otoño de 2013.

 
No quiero plantearme un número de entradas al mes, nunca lo hice y no lo voy a hacer ahora tampoco. Este Gabinete se nutre de los pensamientos, las ideas o las ocurrencias que considero pertinentes en cada momento exponer con el resto de vosotros. Espero contar con vuestra complicidad y que el tiempo pasado haya sido solo un impase.